domingo, 28 de mayo de 2017




“Lo Normal” es el último libro de relatos de Rafael Camarasa, publicado por Ediciones Contrabando.
El arte narrativo de Camarasa se va haciendo cada vez más nítido cuanto más sucio es el mundo que observa, o más descarnado cuanto más alma tienen las historias que cuenta.
En un mundo en que la normalidad es todas las excepciones unidas para controlar nuestra vida, Rafael Camarasa entrega unos cuentos soberbios que te dejan pensando, imaginando lo que habrá detrás del mecanismo que activa la vida de cada persona.
En ocasiones es realista y sombrío, en ocasiones festivo y mordaz, siempre atinado a la hora de desatar el nudo de lo contado para hacer uno nuevo en la mente de quien lee.
Hay relatos impecables, cargados de desasosiego y piedad, como “La Playa”, “El Buen Marido”, el gran “Tinta de broma” o “Sin Manos”.
Hay relatos donde se asoma la fantasía en la forma en que lo hace en algunos textos de Ray Bradbury, de manera imperceptible, cuidadosa, sorprendente, como en algunos de mis favoritos: “Embotellados”, “Correspondencia” o “Navegación inteligente”.
Hay, en fin, cuentos excepcionales donde se reúnen todas esas virtudes, de modo que la sacudida y la inquieta emoción sean perfectas: “Mapas”, “Lo normal” y el excelente “Reprografía”.
Un libro para leer, releer, pensar, sentir y llevar encima, manifestando que hacerlo es lo normal.


© Fernando Garcin, mayo 2016

domingo, 21 de mayo de 2017

TEN FOR A DECADE (Los 10 discos de la Década 2000)

Ten for a Decade
(Saving Graces)

© by Russell Craig Richardson

I have now lived in the USA for ten years. here's a survey of the new musics that have coloured my days and nights, not least all those long car journeys. More than ever important. These have been the most vital to me this past decade.

2003 Hobosapiens – John Cale
After the strange and wonderful release of ‘5 Songs’, it was heartening to see Cale – now in his 60s – coming up with high energy, undeniably modern music. the first use of loops and beats which didn’t seem to be a direct lift or pastiche of bad hip-hop, with Cale’s voice sounding as on edge as ever. A reinvention that is surprisingly layered and rich. I know you can’t actually wear out CDs… but if you could, this one would have been worn out many times over.

2003 Hail To The Thief – Radiohead
more than any other successful contemporary band (as seen from an old geezer’s point of view) Radiohead have impressed me. After saturating myself with OK Computer, I fell into this record, Kid A and Amnesiac all at the same time, late 2005, so the impact was overwhelming, if out of date. I can’t find anything to complain about, and I admire their generosity, even if I think the music has lost some of its consistency through In Rainbows and King of Limbs, I have imbibed hundreds of hours of their sound. Maybe they are the Pink Floyd of modern pop. I don’t care, they convinced me. and if I throw in Thom Yorke’s The Eraser here, also convinced me that laptops and loops have the potential to be as authentic as an acoustic guitar and a voice. Always, in this context, the voice.

2003 Tan Fiero, Tan Fragil – Fernando Garcin & M
This record, more than any other, has been the soundtrack of my American decade, I don’t think it’s only down to it being the first breakthrough of Fernando Garcin. What impressed me the most (and I have written about this elsewhere at greater length) is that TFTF represents both a valid assimilation of American idiom into a Spanish folk-rock; and it has an exuberant strength and self confidence in Fernando’s lyrics and delivery. This is very much a joyous and sincere work, but it takes off in several places, and becomes itself, rather than a sum of its influences.
The compilation Tiempo y Detalles reprises some of this, but lacks the s paces of this almost perfect album.

2004 The Milk Eyed Mender – Joanna Newsom
not cute or grating as some have insisted, but the complex result of a young musician's process, standing at the crossroads of the old, weird America, and staking a small, sincere claim to be a part of that tradition.

2005 Demon Days – Gorillaz
From their first album, which I actually heard on the car radio, to the multi-media splash of this, I was most impressed by the melancholy alongside the brashness. I never knew who Blur were (still don’t) but this project brought a lot of delight, and its own voice, while still reaching millions. A curious sensation, but a music which reached me entirely on its own terms, and I can’t argue with that.

2005 Come on Feel the Illinoise – Sufjan Stevens
I listened to this first via a recommendation from Green Gartside (of Scritti Politti) as an example of unalloyed optimistic music. It’s simple in intent and execution, and has some kind of tension between optimism, naivety and wistfulness… but also a series of gorgeous melodies, a pure pop dynamic which goes back to late Beach Boys or Paul Simon. Hardly fashionable, I would have suspected, but ultimately completely persuasive.

2006 White Bread, Black Beer – Scritti Politti
a collection of bedsit pop songs from a musician in the wilderness? Or a set of perfectly crafted quiet songs to cut against all the artifice Green had been guilty of ever since the early structuralist days. Self-aware, self-critical, but with a sense of melodic and harmonic invention that builds its own world. After immersing myself in this, I looked up Scritti Politti’s ‘lost album’ Anomie and Bonhomie, and deeply regret not having listened to that throughout the 1990s. A survivor, finally.

2007 Comicopera – Robert Wyatt
Robert Wyatt’s ‘late output’ has in fact been stronger than his early output. From Dondestan and Shleep onward… I feel that Cuckooland and Comocopera are slightly less driven or compact, but if these had been RW’s only works, they’d still be in some kind of pantheon. So, Cuckooland… another CD which I have ‘virtually’ worn out the grooves of over the years… is still a joy, and Comicopera, as it drifts further away from rock and closer to Wyatt’s jazz roots is even better, less compliant. A critical nod from an old campaigner that all is not lost, hasta siempre, Commandante.

2010 Ragged Atlas – Cosa Brava
another ‘catch up’ saturation, driven by the Henry Cow boxed set, was to dig into the solo work of Fred Frith, of which I was almost entirely ignorant. Some 15 albums later, I latched onto this side project, and have actually seen them live in NYC. somehow the recording lacks the punch of the live band, though the delicacies come across better. Anyway, as a nod to this kind of deep folk, intelligent music, still rooted in the dance (from an abstract improviser??) this is the business.

2011 Let England Shake – P J Harvey
step back, leap forwards. from the first sneak internet preview I realized this was one of those rare works which stamps its integrity and never diminishes. if there has been a masterpiece in the last decade (to vie with Rock Bottom and Horses, or Blood on the Tracks and After the Goldrush, or Trout Mask Replica and OK Computer… this is it). It bears all the characteristics of a personal peak – a totally surprising progression in her own evolution, yet made to seem completely inevitable. As good as Dry, but farther reaching.

& older music, but...
2009 40th Anniversary Box – Henry Cow
though this was all recorded in the 60s 70s and early 80s, it’s unavailability until recently, plus the near saturation coverage (heavy rotation) I have been giving it, means I have to include its 14 hours of music as the main soundtrack of the past 3 years. It’s also been a painful listen to me, as I think this is what I should have been doing for the last 30 years: playing music derived from this template. That I stepped back from this tradition is probably one of my biggest regrets. Still, just the Bremen and Hamburg CDs here have influenced my editing and writing as much as any film or author, so perhaps it’s just the same. Structure, composition, craft and emotion?








© Russell Craig Richardson

miércoles, 17 de mayo de 2017



“Sultán” es la continuación natural del disco anterior de Cisco Fran “Gigante” que también reseñé en este blog. Según le he escuchado decir en la radio ambos discos podrían formar un LP o un álbum de larga duración. Es un paso adelante del Cisco Fran en solitario (acompañado por grandes músicos) en su afán creativo que le ha llevado a grabar magníficas canciones, con la Gran Esperanza Blanca y luego en solitario, en estos últimos años.


Son 5 canciones, más un arrebatado bonus track, acompañado de los músicos Santi Serrano (batería), José Sala (bajo) Luis Martínez (guitarras y teclado), Raúl Richart (saxo), Rebeca Ibáñez (coros), Gilberto Aubán (teclados), Rafa Adrián (violín), Raúl Pruñonosa (banjo), Spagnolo Ferocce (guitarra eléctrica) y Xavo Giménez (guitarra eléctrica). Con un diseño retro tan hermoso como el del anterior disco obra de VikPamNox, y fotografías de Nicolás Nova y Paquito Valor. Una edición cuidada de Peanut Records, grabado en Little Canyon Studios, y producido por Cisco Fran y Luís Martínez.
Hasta aquí una reseña ortodoxa.
Percepciones bergsonianas:
Un día Cisco Fran –que siempre cuida los detalles, como el de venir a verme actuar cuando hago una actuación, unos recitales o una “gira”- me hacía saber en un correo que cuando comento sus canciones veo cosas que quizá él no ha puesto ahí o no tenía en mente. Él es de ciencias y yo de letras, lo cual siempre me ha parecido una separación absurda, pero ambos sabemos que a través de los poros de la piel, del cerebro, del estómago y de las partes nobles siempre se manifiestan cosas que nos han llegado sin haber sido nuestra intención, de forma “out of the blue”.
Yo percibo, pues, más eclecticismo del que quizás él aporte intencionadamente, por más que el hecho de haber crecido en una era en que todo era igual de importante e intemporal, absorbiendo la historia de la música y del arte ajenos al término “actualidad” y al tuiterismo, nos haga más chulos que la hostia a la hora de sacar oro de los fangos a lo Walter Huston.
“La Razón y el corazón” es una canción pop juguetona y socarrona, que debe tanto a las música europea (francesa) como a la americana. Cuidado sonido.
“Sirenas” es hermosa hasta no poder dejar de caer en la tentación auditiva del marino en alta mar. La interpretación vocal de Cisco Fran es de las mejores que le he escuchado, llena de matices, jugando con los tonos mayores y menores, cuidando la dicción hasta llegar al descuido de quien ya lo lleva dentro. Hay ecos de King Crimson, de Lucio Battisti o Peter Hammill. Es mi apreciación primera: esos ecos de ambas tradiciones de finales de los 60’ y los maravillosos años 70’ y el sonido más emocional de ciertos bardos y bandas de los 90'. Un gran trabajo de todos los músicos, en armónicos y de gran dinamismo y hondura emocional.
“Oropel” es otra joya del disco. Un tema mestizo de la chanson francesa, el rockabilly sincopado y las sonoridades del delta del Misisipí. Excelentemente grabado, arreglado e interpretado, cuya letra pone en su lugar a más de un arribista de abajo.
“Sale el sol” es una canción Cisco Fran. Decir esto es mucho. En NYC lo saben bien.
“Sultán” es un fantástico instrumental, un cruce de sonoridades entre banjo, guitarras y teclados con un sabor entre mediterráneo y americano, que va creando una atmósfera de sonido sublime que remite a músicas tan dispares como las de Remigi Palmero, Tapineria, Smog o Daevid Allen. Una pieza fabulosa y que vuela libre como el proustiano, orsonwellesiano recuerdo que evoca.

Creo que el que lea esto y sienta curiosidad por “Sultán” y por “Gigante”, tendría que dejar de leer y hacerse con ambos trabajos, y reunirlos en una sola escucha repetida. Para hacer canciones, para ser auténticos, arriesgamos nuestras más bellas ruinas, y oye, nos viene bien una pequeña ayuda para que reluzcan.


© Fernando Garcín, 5-16 de Mayo de 2017

viernes, 30 de diciembre de 2016

9 x 9. Benjamin Boretz’s 81st Birthday by his Friends

9 x 9
Music for Benjamin Boretz’s 81st Birthday by his Friends
Music by Benjamin Boretz
[3 discs]

Open Space Magazine. Special Issue 19+20.
Open Space CD 33- Plus Book (540 pages)


Benjamin Boretz (Brooklyn, NY, 1934), músico, compositor, ensayista e investigador norteamericano, pionero en la experimentación electroacústica, es uno de los más grandes pensadores y compositores de la música contemporánea y la experimentación del último siglo.
La edición de 3 CDs de la obra de Boretz interpretada por, entre otros, Mara Helmutth, Keith Eisenbrey, Elizabeth Hoffman, Frank Brikle, Robert Morris, y otros grandes músicos contemporáneos, así como la propia música grabada por Boretz, y un libro de 540 páginas donde diversos autores, músicos, escritores, editores, poetas y video artistas de todo el mundo escriben sobre su experiencia de trabajo con el autor, completa una lujosa y cuidada muestra de una obra que nunca se detiene.
Benjamin Boretz escribe en la presentación del inmenso libro que acompaña a los 3 CDs de tributo:
“Somos poetas. Por tanto podemos tener contacto con la transcendencia sin necesidad de creer. Si tienes una experiencia determinada, has tenido esa experiencia, has contactado con la transcendencia. (…) Hay cosas que sabes de ti mismo después de haber vivido mucho tiempo.(…) Escuchar como nunca antes lo habías escuchado: solo puede suceder cuando ha sido escuchado antes (…) Para mí el gran descubrimiento fue la creatividad ontológica, el darme cuenta de que todo lo completado (o compuesto) es ontológicamente nuevo, sin precedentes, sin tener en cuenta cuán extraordinaria fue su aparición – frases que expresas y que no se recitan a partir de un texto pre-existente, no importa en qué medida no sea original su idea o su dicción. (…)

“Si acaso existimos
existimos para siempre
pues para siempre lo concebimos
es nuestro
y con ello cargamos.”

“No soy un gran aficionado a “la pericia” –es lo que es- y más bien lo soy a gente seria cuyas mentes y “orejas” practican la introspección hasta que surgen y comparten ideas y conocimientos que, seriamente engranados y producidos, siempre iluminan, siempre hacen avanzar la conversación por caminos que merecen la pena.”

Sobre su trabajo de imagen sobre obra de Ben Boretz, Russell Richardson escribe: “… las paredes de LPs de vinilo de Ben contienen sencillamente de todo, conviviendo unas con otras: docenas y docenas de interpretaciones de Beethoven; música folk de Albania y El Sudán; Mahler; piezas de piano de Thelonious Monk; el funk eléctrico de los 70’ de Ornette Coleman; The Rolling Stones; rarezas impresas de temprana música por ordenador; Captain Beefheart; discos de blues de Lomax e incluso ultra oscuras bandas feministas de post-punk como The Au Pairs. Todavía reproduzco en blucle las grabaciones preparadas por Ben como DJ, “Blues Simphony”… (…) … horas y horas de alimento musical intelectual/emocional que son alimento para la mente. Esta es el eje fundamental de Ben: pensar, estar siempre pensando.”

(c) Open Space Magazine. Benjamin Boretz. All Rights Reserved.

(c) Traducción: Fernando Garcín. Nota del traductor: Me vi honrado de ser invitado a participar con un poema sobre una de sus obras musicales, y comprender y profundizar un poco más, dentro de mis límites, oh pura inmanencia, en la grandeza y sencillez, la humanidad y conocimientos de este autor fundamental para entender la música contemporánea. Ben Boretz.

Benjamin Boretz: “We are poets. So we are able to touch transcendence without the necessity of belief. If you have a determinate experience, you have had that experience, you have touched transcendence.(…) There are things you know about yourself only long after you’ve lived a lot. (…) Hear it as never before: can only happen when it has been heard before.(…) The big discovery for me was ontological creativity, the realization that everything uttered (or composed) is ontologically new, unprecedented, regardless of how extraordinary it appeared – sentences you speak are not recited from a pre-existent text, no matter how unoriginal in idea or diction.(…) If we exist at all, we exist forever / because we made up forever / it’s ours/ and we’re stuck with it.”

“I’m not a big fan of “expertise” –it is what it is- rather I am a fan of serious people introspecting their minds and “ears” to come up with and share thoughts and awarenesses which if seriously produced and engaged are always illuminating, always move the conversation forward in worthwhile ways” (Ben Boretz quoted by William Anderson on “Fantasy On An Improvisation by JK Randall”.

On working with Boretz, Russell Richardson writes: “(…) the walls of vinyl LP records in Ben’s studio contain simply everything, side by side: dozen upon dozen of interpretations of Beethoven; folk musics from Albania and the Sudan; Mahler; piano pieces by Thelonious Monk; Ornette Coleman’s 70s electric funk; The Rolling Stones; rare pressings of early computer music; Captain Beefheart; Lomax’s blues disc and even ultra obscure English post-punk feminist bands like The Au Pairs. I still play, in a loop, Ben’s extended DJ-like ‘compositions’ “Blues Symphony”….(….)… Hours and hours of musical and intelectual/emotional food for the thought. This is the crux of Ben: to think, always to be thinking.”

“9 x 9 Benjamin Boretz” se puede adquirir, tanto en copia física como en edición por descarga digital, en:

(c) Fernando Garcín, 31 diciembre 2016. Many thanks to the great poet and publisher Dorota Czerner, to Russell Richardson and, of course -oh pure immanence- to Benjamin Boretz

Benjamin Boretz nació en Brooklyn, Nueva York en 1934 y se graduó con una licenciatura en música en el Brooklyn College (1954). Más tarde estudió composición en la Brandeis University con Arthur Berger, en el Festival “Aspen Music Festival and School ” con Darius Milhaud, en la UCLA con Lukas Foss, y en Princeton con Milton Babbitt y Roger Sessions.
Fue uno de los primeros compositores en trabajar con sonido sintetizado por ordenador (Group Variations II, 1970–72). A finales de los años 1970 y 1980 reunió sus prácticas compositivas y pedagógicas en un proyecto prácticas de improvisación a tiempo real, que culminó en la formación (en el Bard College) del programa de aprendizaje de música llamado Music Program Zero, que creció con fuerza hasta 1995.
Ha escrito extensamente sobre temas musicales, como crítico, teórico y filósofo musical, desde la perspectiva de un compositor. Su primer gran ensayo (1970) músico-intelectual fue el libro “Meta-Variations, Studies in the Foundations of Musical Thought”, que se ocupa de las cuestiones epistemológicas implicadas en la cognición y la composición de la música, y propone una reconstrucción del proceso músico-creativo. Más tarde (1978), en su composición de texto “Language, as a Music, Six marginal Pretexts for Composition” se ocupa de cuestiones sobre el origen y la naturaleza del lenguaje y su significado, ya que podrían ser concebidos desde la perspectiva de la música.
Boretz ha enseñado en varias escuelas de Estados Unidos, como Brandeis, UCLA, UC Berkeley, Princeton, University of Chicago, NYU, Columbia University, University of Michigan, Bard College, UC Santa Barbara, Evergreen College, y University of Southampton (Reino Unido, como profesor Fulbright visitante).
Boretz es co-fundador, con Arthur Berger, de la revista de compositores “Perspectives of New Music” y en 1999 fundó el Open Space, editado junto a Mary Lee Roberts, Tildy Bayar, Dorota Czerner, Dean Rosenthal, Arthur Margolin y Jon Forshee. Fue crítico musical de La Nación en 1962-1970.
Benjamin Boretz, uno de los editores fundadores que pone al descubierto una crisis de confianza en el modernismo y en el canon occidental. Argumentando que la cultura maestra se basa en la autonomía simbólica y haciéndose eco de musicología muy reciente, Boretz desea hacer hincapié en que la música es algo “hecho por y entre la gente”, y con ello se refiere a circunstancias humanas específicas.

domingo, 13 de noviembre de 2016

GIGANTE. Un disco de Cisco Fran.


Encuentro complacido en mi buzón el disco en solitario de Cisco Fran, “Gigante Bueno”. Grabado en Little Canyon Studios. Producido por Cisco Fran y Luis Martínez. Precioso y cuidado al detalle diseño de VixPamNox. Con un elenco de músicos excelentes: Santi Serrano, José Sala, Juanma Pastor, Eduardo Hirschfeld, Rebeca Ibáñez, Chuso Al, Chiti Chitez, Luís Martínez, Endika Martín, Txema Mendizábal y Gilberto Aubán.

Cisco Fran es uno de los autores e intérpretes de canciones que han de formar parte de un deseado archivo-tesoro de lo mejor de la música en Valencia desde 1986.
Gigante es un disco de 5 canciones que muestran en su plenitud todo el universo sonoro y literario del autor, que es más amplio que el que siempre (debe de estar cansado) le ha vinculado a Bob Dylan. Sí. Veo a Dylan en la actitud de “esto es lo que hago y me gusta” y “voy a hacerlo que mañana es tarde”. Y punto.
Este disco recorre el amplio registro que conlleva ir del Mediterráneo a Nueva York y de allí al Mare Nostrum otra vez.
“Gigante Bueno” te atrapa desde las disonancias del comienzo –el monstruo camina y se arma en la oscuridad- hasta la consonancia –esta vez soy un gigante bueno- de esos coros que conectan el pop y el rock tan europeo como Americano. De Nick Cave o PJ Harvey a Françoise Hardy o Franco Battiato.
“Día Gris” es inspiración (preciosa instrumentación y mezcla) para intimar con lo que más importa en la vida. Un leve roce. Una caricia. Brillo en la lluvia en soledad. Emily Dickinson, Barbara, Lucio Battisti, Génova bajo la lluvia.
“Desaparecer” es una belleza. Voz, armónica y piano en delicado diálogo entre quedarse o marchar. Una nana impresionista que lleva la carga ligera de “El Amante” y la etérea luz de Caposella. Desaparecer, eso que, según decía Jeremy Irons en “Herida” de Louis Malle, es, en realidad, tan fácil. Así de efímeros somos, así de únicos. Una canción que viene de tan lejos, y tan cerca, por la belleza, parafraseando al gran Leonard Cohen.
“Cielo” es el Cisco Fran más Americano, el contador de historias de Brooklyn, que tanto ha dado desde su Banda “La Gran Esperanza Blanca”. Tal y como suena engrasada la banda en este “Cielo” así suena su grupo en directo, en este caso un caminante por las aceras de la ciudad de todos, un tranvía del deseo.
“Lonely On The Road”. El cantante y trovador solo con su guitarra y su armónica invocando los fantasmas de la lluvia traviesa y los amores perdidos y encontrados. “¿Have you ever been around?”. Puedes escucharlo en un pequeño café neoyorquino en cualquier tarde noche en el que tus pasos se han perdido en un antro en el que la luz es tenue y las miradas apuntan infinito.
Los afortunados se encontrarán con el Bonus Track “Nuestra Amistad”. La emoción condensada en un homenaje lírico a sus compañeros de batallas, un agradecimiento a los que empezaron y siguen con él –“cuatro jinetes cabalgando solo por cabalgar”- y a los que ya no están ahí, entendiendo que “ahí” no es un lugar físico, y en tanto que los cuerpos y las almas se salen de sí mismas para formar parte de un todo indivisible y eterno.

“Gigante” se puede adquirir, tanto en copia física como en edición por descarga digital, en:

(c) Fernando Garcín, noviembre 2016.

lunes, 17 de octubre de 2016

EN EL HOTEL SPINOZA (con John Berger)


Este hotel no tiene paredes
no tiene muros
porque solo se alojan ideas
y deseos

La resistencia es la misma
del papel ante la pluma
de la piel ante la bala o la caricia
de la noche ante el día

Los parias del mundo no son contados
porque nadie les va a devolver
lo que es suyo

Respirar – lo último que se pierde

Pagamos impuestos
Cobramos indispuestos

Darle la vuelta a la tortilla
no hace que deje de ser una tortilla

En el Hotel Spinoza
nadie evita ser lo que es
Hermano Camus
cuando nos llegue para estar derechos
pensaremos en las curvas
Hermana Hannah
cuando hallemos refugio
nuestros labios rotos se coserán a besos

Fernando Garcín, 2016.


Del artículo “Diez mensajes sobre la resistencia ante los muros” del escritor y crítico de arte John Berger. (fragmentos):

“Los pobres viven con el viento, la humedad, el polvo del aire, el silencio, el ruido insoportable (¡a veces con ambas cosas, es posible¡), con hormigas, con animales grandes, con olores que suben de la tierra, ratas, humo, lluvia, vibración de otras partes, rumores, con el anochecer, y con todo lo demás. Entre los habitantes y estas presencias no hay líneas divisorias claras. Indisolublemente unidos, constituyen juntos la vida del sitio. (…) No sólo son mayoría en el planeta, sino que están por todas partes y hasta el más insignificante de los acontecimientos habla de ellos. Esta es la razón de que la actividad básica de los ricos sea hoy la construcción de muros….”
“La vida de los pobres son en su mayor parte aflicción, interrumpida por momentos de iluminación. Cada vida tiene sus momentos de iluminación y no hay dos que sean iguales. (El conformismo es un hábito cultivado por los pudientes). Los momentos iluminados llegan en forma de ternura y amor: ¡el consuelo de ser reconocido, y necesario, y aceptado por ser lo que uno inesperadamente es!....”
“De vez en cuando la desesperación se introduce en las vidas que son en su mayor parte aflicción. La desesperación es el sentimiento que sigue a la sensación de haber sido traicionado. Una esperanza contra toda esperanza se derrumba o la derrumban; la desesperación llena el espacio del alma que estaba ocupado por la esperanza. La desesperación no tiene nada que ver con el nihilismo.
“El nihilismo, en el sentido contemporáneo, es la negativa a creer en ninguna escala de prioridades más allá de la búsqueda del lucro, considerado como el fin último de la actividad social, de modo que, precisamente, todo tiene su precio. El nihilismo es resignación ante el argumento de que el Precio lo es todo. Es la forma más actual de cobardía humana….”
“Las peores crueldades de la vida son sus aniquiladoras injusticias. Casi todas las promesas se rompen. La aceptación de la adversidad de los pobres no es pasiva ni resignada. Es una aceptación que atisba detrás de la adversidad y descubre allí algo innominado. No una promesa, porque (casi) todas las promesas se rompen; más bien algo parecido a un corchete, un paréntesis en el, por lo demás, implacable fluir de la historia. Y la suma total de esos paréntesis es la eternidad.
“La felicidad no es algo que se busque, es algo que se encuentra, un hallazgo. La mayoría de los hallazgos, sin embargo, tienen una continuación; ésta es su promesa. El encuentro con la felicidad no tiene continuación. Todo está allí, instantáneamente. La felicidad es lo que perfora la aflicción…
“La diferencia entre estaciones, como también la diferencia entre el día y la noche, el buen tiempo y la lluvia, es vital. El flujo del tiempo es turbulento. La turbulencia hace que el tiempo de la vida se acorte, tanto de hecho como subjetivamente. El plazo es breve. Nada perdura. Esto es tanto una plegaria como un lamento.
“Cuando las personas viven unas encima de otras cualquier acción emprendida por uno tiene repercusiones sobre los otros. Repercusiones físicas inmediatas. Todo niño aprende esto. Hay una incesante negociación espacial que puede ser considerada cruel, negociadora o dominante, irreflexiva o calculada, pero que reconoce que un intercambio no es algo abstracto, sino un acuerdo físico. Sus elaborados lenguajes de signos de gestos y manos son una expresión de este compartir físico. Fuera de los muros la colaboración es tan natural como la lucha; los chanchullos son corrientes y la intriga, que depende de la posibilidad de poder mantener la distancia, es rara. La palabra privado tiene un timbre completamente distinto en un lado u otro del muro. En un lado denota propiedad, en el otro un reconocimiento de la necesidad transitoria de otro de que se le deje, como si estuviera solo, durante un rato.
“El margen de elección es también limitado. (…) O esto o aquello. A menudo se hace de forma vehemente porque conlleva el rechazo de lo que no se ha elegido. Cada elección está muy próxima al sacrificio…
“Y sin embargo, hay continuidad, una generación se enlaza con la otra. De ahí el respeto por la edad, porque los viejos son una prueba de esta continuidad, o incluso una demostración de que, una vez, existió un futuro. Los niños son el futuro…
“Aquí la única ofrenda del futuro es el deseo. El futuro induce al deseo a brotar hacia sí mismo. Los jóvenes son más flagrantemente jóvenes que al otro lado del muro. El don se presenta como un don de la naturaleza, con toda su imperiosidad y convicción suprema. Las leyes religiosas y comunales siguen estando vigentes. De hecho es, en medio del caos, más aparente que real, donde estas leyes se hacen realidad…
“Las multitudes tienen respuestas a preguntas que aún no se han preguntado, y la capacidad de sobrevivir a los muros….
“Recorre esta noche con tus dedos la línea del nacimiento del pelo de ella (de él) antes de dormirte.”

© John Berger

sábado, 21 de mayo de 2016



(Tongue & Groove Records, #24)


“Stuck in Conclusion” es la segunda colaboración de Jared & Hilrant (Jared Estes y Paul Tilley/Hilrant), después del apasionante “Obscure to Reality”.

Sigue la inspiración, la experimentación, la sorpresa. Es un trabajo más oscuro, más afilado, más sicodélico todavía, y un reflejo de que el mundo está tan loco como tú pensabas. Las letras son duras, cínicas, divertidas, poemas de delirios, críticas mordaces y amor loco.
Si escuchas “Fringe Benefits”, “I Am None Of These Things” y luego la gran “Obscure To Reality” te darás cuenta pronto que el camino no es sencillo, que tienes que estar atento y también abierto de mente, que el tren en el que te has subido no lleva a la ciudad o la calle que pensabas, el paisaje cambia, la percepción se distorsiona, todo es posible en la tierra imposible. “”To Get Away From The Sorrow Of It All” es una maravilla, un tesoro de canción. Un lamento con una interpretación llena de alma. Gran aportación lírica de Anna Campbell.
“It’s Hard” y “The Man With The Colorful Eyes” (maravillosa instrumentación y atmósfera) tienen esa combinación de confesiones íntimas y sonidos crudos que te hace pensar y respirar despacio.
Hay folk fiero, hay sicodelia y sonidos de rock duro como si los trabajos más delirantes de Robert Fripp desde Starless and Bible Back se encontraran con The Fall y con la el fantasma de Daevid Allen haciendo diabluras con Green Gartside: “Hold On To Your Life” reúne todas las visiones de ambos músicos hasta convertirse en una pieza maestra, un paso más hacia la imperfecta maravilla eléctrica y furiosa que es este trabajo inmenso.
Al final “The Thief” es la última razón por la cual esta música te asusta, te emociona y te hace sentir vivo. Excelente.
Es asombroso el recorrido musical y la capacidad de trabajo creativo de Jared & Hilrant. El trabajo de guitarras es increíble, tanto las aportaciones rítmicas como los sonidos eléctricos de Jared y Paul. El rango de interpretación de guitarras de ambos es inmenso. La instrumentación, los arreglos, los bajos y las percusiones, los cambios de ritmo, las armonías y las bases de teclado hacen de este un disco magnífico y atrevido, oscuro y genial. La tierra está cuarteada, el mundo se hace pedazos cada día para reconstruirse. El tren en el que viajas va a la deriva. A la deriva la música de Obscure To Reality le da un sentido a todo, lo hace real, la locura es no saber qué será lo próximo.

© Fernando Garcin
Valencia, Spain.


(Tongue & Groove Records, #24)


“Stuck in Conclusion” is the second musical collaboration by Jared & Hilrant (Jared Estes and Paul Tilley/Hilrant),after the exciting "Obscure to Reality".

The inspiration keeps on, the experimentation, the surprise mixing genres and textures, sounds and words. It’s a darker, sharper work, even more psychedelic, and a reflection of the fact that the world is as crazy as you thought. The lyrics and vocals are harsh, cynical, funny, poems of madness and delusions, scathing critiques and l’amour fou.
If you listen to "Fringe Benefits", "I Am None Of These Things" and then the great "Obscure To Reality" you will soon realize that the trip will not be easy, that you have to be aware and also have an open mind, that the train in which you are travelling does not lead to the city or the street you thought, the landscape changes, the perception is distorted, everything is possible in the land of impossible might be possible.
"To Get Away From The Sorrow of It All" is wonderful, a treasure of song. A lament with a soulful great performance, Great lyrical work by Anna Campbell.
"It's Hard" and "The Man With The Colorful Eyes" (such an exquisite instrumentation and atmosphere) have that combination of intimate confessions and raw sounds that makes you think and breathe deep and slowly.
You can find here wild rough folk, fierce and warm acoustic sounds, psychedelic and hard rock sounds as if the sharp Robert Fripp from Starless and Bible Back would have met and faced the music of the Fall and the ghost of Daevid Allen doing tricks with Green Gartside.
"Hold On To Your Life" gathers all the visions of both musicians to become a masterpiece, a further step toward the imperfect sense of wonder and furious thing that is this electric eclectic astonishing work.
At the end –and back to the start- "The thief" is the final reason why this music scares you and moves you and makes you feel alive. Excellence: the musical trip and the ability of creative work of Jared & Hilrant.
The guitars work is amazing, both contributions rhythmic from the acoustic to the electric sounds of Jared and Paul. The range of guitars works of both musicians is immense.
The instrumentation, the arrangements, the bass and percussion, changes of tempo, the harmonies and keyboard backgrounds make this a magnificent and daring record, dark and cool.
Our Earth is cracked, the world becomes in pieces each day to be reconstructed. The train in which you are traveling is adrift. Adrift the music of/from Obscure To Reality gives you a sense of the whole thing broken, makes it real, and madness is not knowing what will be next. May Jared & Hilrant keep on telling us.

© Fernando Garcin
Valencia, Spain.