PENDIENTE

No hay último beso
No hay último abrazo
No hay último gesto ni último adiós
Mañana es hoy y hoy es siempre
No hay una última gran frase que decir
Los puentes se cruzan
Eso es todo
Dices que un día alguien empezó a numerar lo que no tiene fin
Que un día alguien quiso catalogar lo que no se define
No hay agenda para sentir
No hay edad para arder y arder y seguir ardiendo
para arriesgar derrapando en la curva siendo esto
y luego lo otro
Hay algo pendiente
Hay un pendiente en tu oreja
y otro en mi mano cuando ya no estás
Lo cuido bien
Mañana es hoy y es siempre
No hay última mirada
No hay una gran frase que decir
Lo que está pendiente
está en tu tiempo y en el mío
los dos lóbulos lados de la misma cara día
Los puentes se cruzan
Eso es todo.


(c) Fernando Garcin

There's not one last kiss
There's not one last embrace
There's not one last goodbye
Tomorrow is today and today for ever
There's not one last great phrase to be said
You just cross the bridges
That's all
You say someone once began to number the endless life
You say someone once began to classify what can't be defined
There'a not one agenda to feel
There's not one age to burn and burn and keep on burning
taking risks skidding on the curve being this now another one then
Something is pending
One earring in your ear
and another one in my hand when you left
There's not one last look
There's nothing but the next moment and now
There's not a great phrase to be said
What is pending
is on your side and mine
we two ears for the same face day of earrings
You just cross the bridges
That's all you do.

VICENTE GARCIN Y VICENTE ALFARO

Hoy cumpliría años mi padre, Vicente Garcín.
Él siempre está en nuestros corazones, con su humanidad, su generosidad y humildad de origen, su sueño truncado de matricularse en la universidad a los 50 años, pues su padre le abandonó junto a sus hermanas, y tuvo que trabajar desde muy joven para mantener a sus hermanas y madre. Luego llegó mi madre, los años felices, los años difíciles de los trabajos de sol a sol mal pagados, y los sueños de tiempos mejores y las pequeñas alegrías. Recuerdo su amor y curiosidad por la naturaleza, la cultura popular, la música clásica, el cine de Buster Keaton y Laurel & Hardy, el futbol, Salvador Allende y Juan XIII, los coches que no pudo tener (fue profesor de conducción por un tiempo) y la novela detectivesca (no era un intelectual; menos mal, ya hay bastantes en la familia).

Hace poco mi madre me consiguió una copia de una fotografía muy especial, en lo personal, e histórica en cuanto a Valencia se refiere. Es una foto tomada entre 1958 y 1959. En ella aparecen de izquierda a derecha mi padre Vicente Garcín Domingo, mi madre Sol Romeu Alfaro (rostro del norte de europa como el mío), mi abuela Sol Alfaro Moreno, Isolda Cutanda Azzati (sobrina del periodista Azzati) y su marido, hermano de mi abuela, Vicente Alfaro Moreno, que fue Alcalde de la República en 1931, y que tras haber estado en la cárcel y a punto de ser ejecutado, trasladado luego a Sevilla y liberado (preso no por haber sido Alcalde en la República, sino, parece ser, por su labor de abogado de los necesitados y los trabajadores), retomó su trabajo para, poco después de haber sido hecha esta fotografía, y ante su enfermedad, decidir marchar a Suiza a pasar sus últimos días de vida, pues no quería ser enterrado en España. Tantos se fueron… Tantos se van...
Señalar, como apunte de cierto interés que, a día de hoy, y aunque ya existía un expediente en los tiempos de la concejalía socialista de Vicent Garcés, aún no se ha realizado el retrato de Vicente Alfaro como Alcalde que fue de Valencia, para acompañar al resto de retratos de todos los Alcaldes de Valencia que se pueden ver en el Ayuntamiento. Resulta curioso que se haya decidido que también los alcaldes de la época franquista sigan apareciendo en la muestra de retratos (algo comprensible como alcaldes que fueron de la ciudad) y el retrato de Vicente Alfaro siga pendiente.

UN CUADERNO Y UN LÁPIZ
(V.G., 1925-1975)
Me dieron un cuaderno y un lápiz
Todo estaba en blanco y negro
Tuve que ponerle algún color
colores del día y colores de la noche
Algunas cosas las mamas y otras las aprendes
cuando te dan un cuaderno y un lápiz
como a llevarlos con dignidad entre las piernas

El mundo es extraño, aquí donde vivo
un largo paseo y no una carrera corta
Ser aliento es mejor que tomarlo o perderlo
Que me veas brillar al otro lado estaría bien
Cuando te cueste creer en lo que ves
no cambies de ojos, sólo de paisaje

Tú siempre sabías dónde estaba el Norte
Eso era porque eras dibujante de mapas
Yo siempre he ido de un lado a otro
sin saber si era tarde o muy pronto
Cuando el Leviatán me trajo las reglas del juego
y puso sus cartas sobre la mesa
yo ya sabía que se pavoneaba como un Rey
pero nunca sabría qué hacer con una Reina

Me dieron un cuaderno y un lápiz
Papá trabajó día y noche para que hubiera comida en la mesa
Mamá hizo lo mismo, y siguió haciéndolo cuando él se fue
Una mujer realista y un hombre modernista
me dieron un cuaderno y un lápiz
y supe que el dolor nunca duerme tan bien como lo hace la ternura

Me dieron un cuaderno y un lápiz
Me dijeron dónde estaba la osa mayor y la menor
El cuaderno era como la piel de alguien a quien quieres mucho
Puedes llamarme o escribirme una carta
Cuando no sepas a dónde ir ni dónde estás
No podré ayudarte a encontrar lo que buscas
pero puedo ir contigo a cualquier lugar….

LISTEN UN CUADERNO Y UN LAPIZ

© Fernando Garcin
("Me Dieron Un Cuaderno y Una Lápiz" canción de mi disco "Amor Sin Título / Untitled Love", 2011)

DOROTA CZERNER: improvisación sobre 'Los Pies en el Cielo' de Fernando Garcin

La poeta Dorota Czerner, de nacionalidad polaca, licenciada en la Soborna, y con residencia desde hace años en Nueva York, donde, entre otras actividades, coordina la revista cultural de arte, cine, filosofía, poesía y música 'Open Space Magazine', escribió recientemente un texto experimental a partir del primer capítulo del libro de Fernando Garcín, "Los Pies en el Cielo". No siendo una especialista en el idioma castellano, y habiendo atendido a las traducciones de su compañero, el cineasta Russell Craig Richardson, y dado su amor por la palabra como objeto sensual y misterioso al que aproximarse desde la sonoridad y el segundo sentido, su texto supone un delicioso y sugerente juego de variaciones sobre los párrafos originales de Garcín. Una creación dentro de la creación, que recrea el mundo y el vocabulario (a veces una cosa remite a la otra) de Masha Mendes, la protagonista y cronista del libro, en una yuxtaposición de texto inglés y palabras castellanas restituidas en el orden de la historia como un puzzle sin reglas que se desbaraja y vuelve a barajar y repartir en la mesa-papel de acuerdo con los aromas y formas que para la autora desprenden. Y basta de explicaciones. Mejor es mostrar el texto y dejar que las cartas hablen...


"Masha Mendes wrote a fair number of pages that I really don’t care for. LA NAVE always turned around the same orbit, Y CADA CIERTO it neared EL LUGAR where the eyes that could LEER the pages stayed quite CERCA.
QUIZAS just as if too close to the center of the carousel.
The sky is dark because the stars are her eyes, under DEDOS of crystal the 5 pillars of beauty.

Masha Mendes wrote many letters I wished she hadn’t written. Her ship always went around, and around, following the same orbit but every so often it almost touched the place where the eyes, which could read those letters, drew a little closer. Maybe even too close to the center of the carousel. The sky is dark because the stars are her eyes, under her crystal fingers like 5 columns of beauty.

Masha Mendes wrote many letters. Many postcards she has never sent. That I don’t envy. Masha Mendes in her little ship. Her ship that orbits the nave. Her navel. That place at the center of the carousel her eyes so obsessively circle around. Around and around, the same crystal carousel, a Car-of-Self. Self in the eye. The spaceship of self-reading always moving along the tight orbit of the eye. The iris of Masha Mendes. Every so often it would touch the place deep inside the crystal ball and for a brief moment Masha Mendes’ ship would pass through the middle of the dark sky. Reading her life, her letters. On the flashing clocks of the Liquid Crystal Display for Digital Navigation. Suspended in space LCDDN: those 5 letters.
5 fingers that scatter Masha’s unopened letters, over the floors of my spaceship. Every unsent letter maybe only for a brief moment read, and made possible under her dark sky. Drawing nearer the beautiful eye. A crystal nave of a crystal palace of a place of many stars. Many dark stars drawing a kajal line around the eyelashes of each letter, the crystal eyes.

LA NAVE Y CADA CIERTO LEER CERCA QUIZAS y DEDOS

The Ship every so often reading closer, moving closer in the dark
the Braille fingers all gone all back, every so often, only by touch



© Dorota Czerner, NY, 2015.

TOM HEDRICK: "YIMMER". SU NUEVO GRAN DISCO.

“Fue en el Old Met Music Hall de Edgware Road, sentado a su lado (su amigo Ken, profesor sustituto en una escuela del Londres de la guerra), donde empecé a aprender los rudimentos de la crítica, cómo juzgar los estilos, o su ausencia. Ruskin, Lukács, Berenson, Benjamin y Wölfflin vendrían después. La formación esencial la recibí en el Old Met, mirando desde el gallinero y rodeado de un público escandaloso, receptivo e implacable, que juzgaba sin piedad a los humoristas, a los acróbatas, a los cantantes, a los ventrílocuos. Los números tenían que tener estilo. Había que ganarse al público al menos dos veces cada noche. Y para hacer esto, la imparable secuencia de gags tenía que conducir a algo más misterioso: la propuesta, conspirativa e irreverente, de que la vida misma era un número cómico.”
(John Berger, “Aquí Nos Vemos”, 2005)

“Yimmer” es el noveno album en solitario del músico de Minneapolis Tom Hedrick. Aquellos que escriben sobre música podrían catalogar mejor su estilo. Power pop, sí. Post- Punk. Música experimental. Psicodelia. El rango de este músico y autor de canciones de Minnesota es inmenso, y su cultura musical y sus habilidades hacen que los calificativos se queden cortos. Por sus canciones y sus piezas instrumentales circulan The Beatles, Ray Davies, Brian Wilson, Frank Zappa, Captain Beefheart, Television, Elvis Costello, The Jam, John Cale, el jazz, de Davis a Coleman y Monk, el music-hall, la música experimental contemporánea. Lo que más seduce de sus trabajos, todos imprescindibles, es la valentía de un músico independiente capaz de registrar obras maestras incluso en sus piezas más breves y hacerlo con humor y en ocasiones capacidad de auto-parodia.
No quisiera dejar de citar, al hilo de estas influencias que otros también han citado, especialmente Frank Zappa, al primer Todd Rundgren, el de “Something/Anything”, aquel disco singular y único. Los trabajos de Warren Zevon en los 70 también.
Uno puede escuchar Yimmer como una opereta, un melodrama en 20 actos, un recorrido inspiradísimo por la música de la segunda mitad del siglo XX, sin olvidar los sonidos más recientes ni los más añejos, con unas letras que hablan de momentos de la vida cotidiana, riéndose de algunas situaciones de actualidad, hablando con humor e ironía de lo que a todos nos preocupa en este mundo de locos, o expresando con un romanticismo disfrazado de surrealismo todo aquello que ama o le importa.



Todas las canciones son imprescindibles, porque forman parte de una historia contada en capítulos. Destacaré no obstante estos:
“Embrace The Suck!” es una canción hilarante sobre el drama de las bandas jóvenes que actúan por cuatro duros (a veces ni eso), nunca les pagan (o casi nunca), o pagan por tocar, llevan sus discos auto editados esperando que alguien se acerque a la mesa para adquirir alguno, y sonríen y dan las gracias por estar ahí, tocando. Debería ser un himno que tocaran todas las bandas del underground del planeta como versión obligada. Musicalmente espléndido, en sus armonías y en su solo.
“My Brother Said” es una hermosa evocación de las palabras de un hermano sobre la vida y esas preocupaciones que no nos dejan ser como somos. La música es brillante, exquisita. Ecos de The Beatles y Robert Fripp.
("Mi Hermano me dijo esto una o dos veces:
“No dejes que las pequeñeces te perturben.
No hay mucho que podamos hacer,
en estos años oscuros a veces nos tambaleamos.
Supe en lo profundo de mi corazón
que tenía razón…
Mi hermano me dijo un día de verano
poco antes de partir:
'En cuanto cruce esta puerta,
sé que te echaré aún más de menos'.
Supe en lo profundo de mi corazón
que tenía razón….")
“Frequently” es una obra maestra. Es casi imposible concentrar en una canción tanta historia musical y hacerlo con tanta maestría. Hedrick lo hace.
“I Don’t Ask Anymore” es esa pequeña reflexión de menos de 2 minutos entre dos actos en que el artista ofrece con su piano y su voz un mordisco de lucidez a su público. Genial.
("En ocasiones hay magia
En ocasiones hay gozo
En ocasiones hay destellos y bailes
que compartir y esquivar.
Muchas veces sólo hay silencio.
Muchos días son rutina.
Muchas de las horas son hábitos,
resultados a completar.
Y ni siquiera me da por preguntar.
No pregunto si hay amor que escatimar.
No pretendo que exista por ahí una idea concreta
de nadie".)
“I’d Never Knew I’d Be The Man” es una delicia repleta de inspiración e ironía, satírica revisión de la edad adulta. Bran Wilson después de hacer las tareas del hogar sin intentar todavía salir por la chimenea.
Escuchen “Smoke and Vote”. “Issues With My Tissues”, “Thrills! Thrills!”, toda la incredible imagineria de Hedrick al servicio de una música y unas letras que en pequeño teatro serían el goce puro de ese público del music-hall y los cabarets, del que John Berger habla como algo que se ha ido perdiendo ante el ruido, la prisa, la forma convencional y aceptada de organizar los conciertos actuales y la definición tecnológica. Una patada al mainstream.
“Pinkee” es una de mis canciones favoritas. Lo que empieza siendo un tema de estilo jazz swing deriva en un delirante y emocionante homenaje a un mundo ecléctico y asonante que vive oculto, como si hubiera desaparecido, y solo está brillando en otra parte.
(“Pinkee – a la hora del té de la tarde
Junto al suave mar del verano
Los escribas dirán.”)
“Walking With Stitch” es una de esas piezas asombrosas que muestran a un músico en estado de gracia cruzando barreras musicales, y ofreciendo Música con mayúsculas, sin etiquetas.
“Playing Out Loud” es una canción muy especial, regrabada a partir de un tema de una de sus primeras bandas, con unas guitarras de garaje y años setenta totalmente contagiosas. Genialidad.
“Yimmer” está disponible en tienda a través de CDbaby y otros soportes digitales, y a través de la página del músico. AQUI LOS LINKS!
TOM HEDRICK OFFICAL WEBSITE
TOM HEDRICK YIMMER EN CDBABY
Hay doble función esta noche, y se anuncia a Tom Hedrick. Consigue tu entrada, busca un buen compañero para la velada y disfruta como si el tiempo se hubiera parado. No hay aplausos enlatados. Todo es real.

ENGLISH REVIEW:
“It was in the Old Met Music Hall on the Edgware Road, sitting beside Ken (a replacement teacher in wartime London) that I first learnt how to judge claims to style, learnt the rudiments of criticism. Ruskin, Lukács, Berenson, Benjamin, Wolflin, all came later. My essential formation was in The Old Met, looking down from the gallery on the triangular stage, surrounded by a noisily receptive and unforgiving public, who judge the stand-up comics, the adagio acrobats, the singers, the ventriloquists, pitilessly. (…) An act had to have style. The audience had to be won over twice a night. And to do this , the non-stop sequence of gags had to lead to something more mysterious: the conspiratorial, irreverent proposition that life itself was a stand-up act! (…) Ken whispered to me ‘the secret of music hall artists is that they play defenceless, like we all are…’ (…) He was right. The music-hall died during the next decade.”
(John Berger, “Here Is Where We Meet”)

Yimmer is the ninth solo release by the musician from Minneapolis Tom Hedrick. Those journalists writing about music could find the way to classify his style. Power Pop. Yes. Ok. New Wave-Post Punk. Psychedelic prog sounds. Yes. Experimental, of course. What’s life if not experimenting. The range of this musician and songwriter is immense, his musical background and skills are beyond words. You can feel around there are The Beatles, Ray Davies, Brian Wilson, Frank Zappa, Captain Beefheart, Television, Elvis Costello, The Jam, John Cale, jazz, from Davis to Evans and Ornette, the Music-Hall, and contemporary music. What seduce you more listening to his records is this brave attitude an independent musician has to show and how he plays masterpieces even when the tunes are very short and intense. His great sense of humor and, sometimes, self-parody that you only can do when you are a genius.
I would like to add a reference I feel close to Hedrick, the great “Something/Anything” by Todd Rundgren, that unique wonderful record. Frank Zappa, of course!. And some Warren Zevon recordings too. I could quote some European references, like Pau Riba, Gong, the Mediterranean psychedelic sounds from the 70’s that I don’t know if he has been hearing in the past.
You can listen to “Yimmer” like an operetta or vaudeville, a melodramatic story in 20 acts or chapters, inspired by the 20th Century music, and at the same time by the sounds of today, telling you about the daily worries and happy moments of our lives, about all what’s worth and what you might be worry about in this rat-race gone wrong world we are, and about romantic moments he cares and thinks are the best moments in life.



Every song is essential in this record. Yet I would quote these ones, I been enjoying a lot:
“Embrace The Suck!” is an hilarious song about those young bands that play for nothing, never being paid (even they have to pay for playing sometimes), carrying their own stuff and some records, waiting for someone to contact or just someone who asks them for a copy of one CD, and they are giving thanks for being there playing. This should be an alternative anthem, a torch song to be played by all new young bands all over the world living underground. Musically the song is magnificent, their armonies, solo playing, instrumentation. Pure delight.
“My Brother Said” is a beautiful remembrance of those brother’s words told about life and all what don’t let us be the way we’d like to be. Brilliant delightful music. The Beatles playing with Robert Fripp. A beauty.
“Frequently” is a masterpiece. I think it's hard to find a piece of music that might concentrate all the music history from the last 4 or 5 decades making an amazing work. Hedrick can do this.
“I Don’t Ask Anymore” is a brief thought of 2 minutes, you can hear in an old steamy venue while some people is talking or going to rest rooms or beers. An amazing piano and voice piece, a beat of lucidity to the audience. Terrific.
“I’d Never Knew I’d Be The Man”. Hedrick's irony and inspiration talking about being grown-up, Brian Wilson after home jobs trying to clean the chimney or maybe looking for a way to escape for a while.
Listen to “Smoke And Vote”, “Issues With My Tissues” (hilarious!), “Thrills! Thrills!”, all the Tom Hedrick imagery at his best. You can feel you are in a small old theater, enjoying a Music-Hall show. It reminds me those times John Berger wrote about, just before magic was lost, before the nonsense noise, the gods of speed, the rules of mainstream that is the world of many artists today. Yes. This is one kick to mainstream.
“Pinkee” is one my favorite Tom Hedrick' songs. It starts in a jazzy swing way and breaks into a hilarious and passionate heartfelt tribute to a hidden avant-garde world living out of the ordinary, out of range, but not faded away, just shining somewhere else if you can find and get it.
“Pinkee – at the afternoon tea.
By the summer soft sea,
The scribes will write.”
“Walking With Stitch” is one of those astonishing tunes in which you can find a musician writing with an ease and grace, in great form, crossing musical styles and barriers. This is Music.
“Playing Out Loud” is a very special song. Recorded again and remastered from a song composed and played with his life-long friend Graham Howes back in 1979 when they played in their very first band. Powerful late 70s rock. You cannot stand still, you have to do something else, to move on and dance.
“Yimmer” by Tom Hedrick is on Stores, available now thru CdBaby and other digital places you can check out thru the oficial Tom Hedrick page. HERE ARE THE LINKS!
TOM HEDRICK OFFICAL WEBSITE
TOM HEDRICK YIMMER EN CDBABY
There’s a perfomance tonight and Tom Hedrick is one of the players. Get your ticket, look for a good partner for the evening and enjoy and have fun just like if time had been stopped. This is not a TV show. This is real.

(c) Fernando Garcin (para el blog de reviews: "La Segunda Lluvia")

MÚSICA, VOZ, PALABRA/MUSIC, VOICE, WORDS (Más de 20 mundos)

SPANISH:
Fernando Garcín trabaja desde los años 90' -de 1992 es su sencillo "Breve Idilio", de 2015 sus últimas y recientes colaboraciones- compaginando su actividad literaria en poesía, traducción y ensayo con la tarea de enlazar la poesía con la música, como un viaje en que la música y los textos y la voz se llaman y enriquecen mutuamente, e incorpora los términos de “canción hablada”, de “poetemas” o simplemente canciones que igual puede cantar que recitar. Se considera un pionero en una actividad que en el Estado Español se reducía a pequeñas aportaciones sin solución de continuidad y de carácter puntual, en la mayor parte de los casos limitándose al recitado con una música de fondo. Como escribió el periodista Juanma Játiva en "El País", "es un pionero en un género apenas explotado en España, y ha elegido la mejor hora".
Aunque ya ofrece shows musicales en la presentaciones de sus libros y con "Breve Idilio" desde 1986 (Sala Jesusalén, Sala Teatre Rialto, Universitat de Valencia) actúa de forma ininterrumpida, ya con músicos y en formato canción, desde 1996 hasta la actualidad en diversas ciudades del Estado Español, y en USA. Su trabajo remite a fotogramas musicales, siempre en continuo contacto con músicos, artistas de la imagen, con la exploración en el video y la fotografía, o la performance, y apunta con el tiempo a la canción en su sentido más amplio. Se plasma en sus obras "Breve Idilio" (1988-1992), "La Mejor Hora" (1997-1999), Vash Gon" (2000), "Tan Fiero Tan Frágil" (2003), la antología "Tiempo y Detalles" (2006), y el disco en formato digital de 18 temas "Amor sin Título / Untitled Love" (2011). Actualmente trabaja en nuevos proyectos con músicos y autores de USA, UK, y otros países y también autóctonos, Derek Damico, Maloa Warriors, Jose Moya, Andrew Austin, Art Lip, Mia Lotus, así como en la grabación con Jorge Llombart y con Panta Rei de un nuevo trabajo de canciones, con algunos invitados especiales, para celebrar sus 20 años de Ronda musical y los 25 de poesía y spoken word con música.
Confiesa que intenta encontrar en su ciudad gente de la música que pueda entender todo lo que hay en su cabeza cuando concibe y hace el raw demo de un determinado y específico tipo de canciones y las pueda grabar de la manera que él desea.
No busca ser rígido ni perfecto, no busca el impacto antes que la ternura. El gozo está por encima de la perfección, pues nada hay más cercano a la ilusoria comprensión que el disfrute de un momento. De ahí procede su libreto "La Segunda Lluvia", poema y canción publicados en 2006 en Valencia -tras un homenaje por sus 20 años de poesía- y en USA de forma bilingüe por Open Space Magazine, como una reflexión de lo que es esa lluvia que cae de ramas de árboles y cornisas de edificios después de llover. Esa oportunidad de capturar el instante de nuevo.
Sus referencias son tan dispares como sus años de escucha, y gusta de reflejar en una grabación la espontaneidad de un ensayo en habitación o un directo. No siendo músico profesional, compone y escribe sobre sus ideas los textos de sus nuevos trabajos. Ahí están, con mente abierta, los sonidos de la calle, de la vida, tanto como Lou Reed, Pau Riba, Captain Beefheart, Jacques Brel, The Clash, Patti Smith, música tradicional turca, africana y balcánica, el Reggae y Reggae dub & rap, Daevid Allen, Leonard Cohen, Radiohead, Leo Ferré, Nick Cave, Joe Henry, T. Rex, el aliento progresivo de Dioptria, Catedral, Syd Barret, Gong, Smash, John Cale, Neil Young, el punk, y la new wave, PJ Harvey, Joe Henry, Rooz Williams, Ornette...y toda la gente que trabaja y crea alejada de los criterios comerciales o las modas impuestas por los media, así como algunos divinos brillantes y hermosos desconocidos hambrientos y enamorados creadores de sonidos. Observa que hay una generación muy joven y otra mayor de 60 años que se muestran muy abiertos y curiosos ante la lectura y la escucha de toda clase de obras de mente abierta y no tan fácil de encontrar si no se bucea, aunque hay, por supuesto, muy buenos oyentes y lectores en esa edad en que se está más al corriente de lo publicitado en los media, la edad entre los 30 y 50.


"Extranjero, eso soy y eso somos. Una amiga me preguntó una vez ¿por qué la belleza duele? Ahí empieza todo. La incertidumbre rige las palabras y la música. Nos hace saber que no podemos controlarlo todo, y que lo que más nos acerca al gozo es esa sensación de andar derrapando, al borde de perder la trazada y salirse en la curva, y el deseo de encontrar puerto para tantos barcos a la deriva, en la corte del Rey Escarlata." (Fernando Garcín, 2011)
Actualmente goza de una gran aceptación y reputación en su página en Reverbnation, así como en facebook, especialmente por parte de artitas y oyentes de USA y diferentes paises europeos, americanos, australianos, neozelandeses y africanos, como en años anteriores la tuvo en MySpace, llegando a superar los 15.000 fans, y las 20.000 visitas y escuchas.

(Redacción de Juan Carlos Sanjuán y Jesús Maestro, a partir de la obra y de las conversaciones con el autor)

ENGLISH:
Fernando Garcin works since 1990 combining his literary career -books, poetry, short stories, translations, lyrics- and his songwriting and spoken word and singer career in which the most important thing is the voice and vocal delivery and to look for the best music to go with his lyrics and voice. He likes to call his songs as talk-walk songs or just songs in progress. He can speak, sing and mix both styles, and he has been working hard to find his own style, words are so important you have to use the best phrasing for every matter or subject, and the voice has to be understood perfectly and appreciate in all its range and intentions.
Reading his works with music since 1989, he has been doin' gigs with his own songs and musicians in Spain and other countries since 1996 until now. As a journalist from “El País” wrote some years ago, “he is a pioneer in his genre, a genre that hadn't been carried out in Spain, and he has found the best hour”. You only could find some sporadic cases withouth continuity, and some one-off meetings of poets reading his words with background music.
He is very open-minded about music and he also loves perfomances, video, images and mise-en-scène. He likes spontainety, freshness, even demo sounds.
His works in music are: "Breve Idilio" (1988-1992), "La Mejor Hora (1997-1999), Vash Gon (2000), "Tan Fiero Tan Frágil (2003), "Tiempo y Detalles" (2006), y "Amor sin Título/ Untitled Love" (2011). He is now working -with JJ Llombart, Panta Rei and some open-minded musicians he is looking for- on new songs for a special work, a new collection of songs to celebrate his 20 years since his first solo recording, and his 25 years as songwriter and, at the same time, 25 years since his first book was published, when he won the Critics Circle Award. He also is making collaborations with musicians like Derek Damico & Maloa Warriors (USA), Jose Moya (SP), Andrew Austin (UK), Art Lip (DE), Mia Lotus (CA)... He has to confess it's not easy to find around his town some kind of musician for some special specific songs he has been writing lately, so they might understand how these songs has been conceived and the way he would like to record them.
Nothing has been done. Everything is happening now and ever, and what's happening is not yours or mine, but something made by all and every one. He looks for a certain balance between alternative and experimental sounds and sort of lyrical pop-folk-rock sound. He doesn't try to be rigid or square, and he loves to add tenderness to the wild side. Joy is beyond perfection, and nothin can be better than catching the moment before it fades away. It's just like the second rain. The second raind that falls from trees and buildings after the rain. This is his storytelling purpose. That's why at the time they tributed him for his 20 years of poetry in 2006, he wrote and published the poem "La Segunda Lluvia" (The Second Rain) in Spain and USA.
His ears and eyes are open to the sounds of the street, the country, life and death and joy and suffering, he's been listening all these years to Lou Reed, Pau Riba, Captain Beefheart, Jacques Brel, The Clash, Patti Smith, african, turkish and balcanic roots music, electro music, reggae and reggae dub & rap, Sisa, Robert Wyatt, Kevin Ayers, Daevid Allen, Radiohead, Leo Ferré, Nick Cave, T. Rex, progressive sounds, the white album, Dioptría, Catedral, Veneno, John Cale, Joe Henry, Neil Young, punk, post-punk and new wave music, Rooz Williams, PIL, PJ Harvey, Ornette, Monk... and all the unknown creative people far from the mainstrean and radio and media manipulation, close to the hungry divine crazy creators of wonderful moments of sounds and silence. He really loves to think older people and the very young ones are the best listeners and readers now, though people from different generations may have curiosity and an open mind too..
“A friend she asked me some years ago '¿Why does beauty hurt? It all begins here. Uncertainty rules the sounds and words that fly. We feel we are close to bliss when we cannot control everything, and we keep on moving, skidding, looking for a warm harbour for all the boats adrift.” (Fernando Garcin, 2011)
He has a good number of listener and followers through internet, as you can confirm checking out his pages on Reverbnation (after Myspace) and Facebook.

(Written by Juan Carlos Sanjuán & Jesús Maestro, based on the work and conversations with FG)

ENLACES:

REVERBNATION FERNANDO GARCIN

COMENTARIOS / REVIEWS :

RESEÑAS/REVIEWS SOBRE FERNANDO GARCIN


Fernando Garcín, web oficial

BALUJA & SMALL : "TIGHT CONNECTION"

Mike Baluja es un músico, escritor de canciones, cantante y escritor nacido y criado en Tampa, Florida. Empezó a componer en 1979, y ha publicado 15 discos, entre ellos “Modern Man”, “The Beauty Of It All", "Within Love's Walls, “The System•” “Nowhere To Land” y el gran “Bus of Broken Dreams”.

“Tight Connection” es el fruto de la colaboración a través de la red de internet de dos artistas que no se han conocido en persona. El poeta y autor de canciones Mitchell Small (Songs Unsung) y Mike Baluja. Un encuentro vibrante, que fue creciendo con el tiempo, desde 2013, cuando empiezan a trabajar juntos, hasta Diciembre de 2014 cuando se edita el disco.
En las 12 canciones que conforman su disco “Tight Connection” se puede apreciar, como su título indica, cómo estos dos autores encontraron la fórmula perfecta de colaboración para escribir una docena de canciones incisivas, directas, donde se mezclan valores sociales e históricos, temas de actualidad, historias de comunicación e incomunicación, salpicado todo con exquisitos toques de ironía y sarcasmo."For The Sale of The Fifty", "Tight Connection", "Unthinkable Thoughts" y las maravillosas "Nowhere To Land" y "A Single Drop of Rain" son algunas de las canciones que hacen de este trabajo un compendio de bravura y elegancia en unos tiempos difíciles y en ocasiones tan indiferentes a los sonidos auténticos como teledirigidos por las fórmulas sin alma.
En Tight Connection se cuenta una canción de amor y dificultades absolutamente cautivadora y desgarradora. Las aventuras de los Amores perseguidos por el tiempo y la soledad de un mundo que ignora los valores de la felicidad y el sufrimiento
"Pensaban que podían estar soñando, dormidos o despiertos
Sus piernas y sus almas se tocaban, su respiración era profunda
Añoraban en su interior reforzar esa conexión
pero no podían correr el riesgo del fracaso o el rechazo
El momento apropiado estaba cerca, pero por ahora debían esperar
Una aventura amorosa que se bastaba a sí misma… en un vuelo que llegaba tarde"
('Tight Connection', Baluja & Small)
En 'Nowhere To Land" se suceden las historias en diferentes estrofas sobre mujeres fuertes que vivieron momentos complicados que podían dejarlas sin tierra firme bajo sus pies, como Amelia Earhart o Amy Winehouse.
"Amy conquistó nuestros corazones, con una voz fuerte como una roca
Nos llevó de vuelta a la oscuridad, donde nadie había llegado
Más fuerte que yo, pero el amor es un juego de pérdidas
Echó a perder uno y luego otro, cuando trataba de apagar las llamas
Su cuerpo, su alma, no pudieron aguantar
Nos avisó que tenía problemas, ningún lugar donde pisar tierra firme
Llegaba preparada
Incluso tenía un plan perfecto
Ahora vuela alto en el cielo…. Sin lugar donde tomar tierra
Volando con Frank… un ángel de su banda
Volando con los ángeles… sin lugar donde tomar tierra"
('Nowhere To Land'. Baluja & Small)
El trabajo musical es sencillo, y nada simple. La música se pone al servicio de unas letras que hacen pensar y sentir, enfatizando la interpretación vocal (Mike Baluja es uno de los grandes fraseadores americanos) a fin de ofrecer los mensajes que cada canción contiene con precisión y claridad.
Textos inteligentes, una voz sabia y de gran dramatismo. Una obra excelente e indispensable.
(c) Fernando Garcin


ENGLISH NOTE. (Check out his bancamp page for more info):
BALUJA AND SMALL BANDCAMP PAGE

Mike Baluja was born and rised in Tampa, FL. He began writing songs in 1979. Independently released 15 CD's: Modern Man, a beautiful dream, Troubled Times, Open Mic, Poetry Sings, The Beauty Of It All, Ripples of Love, Within Love's Walls, Somethin's Gotta Give, The System, I Remember Tampa, Cone of Uncertainty, Nowhere to Land, Bus of Broken Dreams, and Tight Connection.
"Tight Connection" represents the collaborative efforts of two artists who have never personally met. Their alliance began online in 2013, on a site called Reverbnation. Mitchell Small, aka Songs Unsung, and Mike Baluja, who goes by his last name, have writen, recorded and produced 12 great songs, cutting, expressive tracks, mixing social significance, history, communication & lack of communication, thoughts and feelings about what's going on in this strange difficult times, all words sprinkled with sarcasm and irony sometimes.
Baluja has one of the best vocal delivery and phrasing you can hear nowadays. Voice and words and music are direct, their purpose is deliver the message with maximum clarity and efectiviness, music is the right machine to take you to their worlds, what this doesn't mean simple. They estimulate your mind. This is real independent music. This is not media manipulation. A wise astonishing voice and incredible words. An excellent work. A real gem.

(c) Fernando Garcin

OFF CARTAGENA. LA LUNA ARRIBA DEBAJO

OFF CARTAGENA. LA LUNA ARRIBA DEBAJO. (Verano de paseos y música con sushi)
¿Por dónde empiezo?
El 24 de Julio fui primero a la Plaza San Francisco a las 19,30 horas a disfrutar de Bantastic Fand, grupo de americana al que no había visto todavía en directo. Primero quedé a tomar una cerveza con Alejandro, guitarra de The Stuffs, y con Víctor, bajista del mismo grupo. Hablé con Alejandro, guitarra de The Stuffs, de su experiencia viendo a Dylan, de música y otras historias, hasta que mi psychodelic talkin’ le mareó, cosa lógica. Comenté con Víctor, bajista de la banda, una futura y pendiente actuación conjunta en Valencia que ya iremos anunciando.
Después empezó a sonar Bantastic Fand, que sonaba de vicio desde la mesa. Ellos son Nacho Para: voz, acústica y armónica. Paco del Cerro: batería y coros. Alfonso Gomariz: eléctrica. Iván Estefanía: eléctrica. Chencho Vilar: bajo. Quique Simón: hammond y piano. Paloma del Cerro: coros y percusión. Desde “Far From Home” y “Anymore” de su reciente álbum “Strong Enough To Refuse" (2014), hasta la excelente versión de “Cocaine Blues”. Poderosas canciones, incluyendo alguna de su próximo trabajo, gran interpretación vocal, excelente sección rítmica, grandes guitarras eléctricas y teclado. Se hizo corto para “ser de aquí”. Los Festivales tienen estas cosas.
A Coque y a Cristina no les vi. A Bob Esponja sólo un momento.
Me encontré con Laura Bueno, y hablamos de literatura, música, y de futuras escrituras.
Más noche del 24. Me habían dicho que a las 22 horas tocaban, amenizando cena, en la terraza del Restaurante Casa Beltrí, en Santa Ana, Lor Carlota y Car Lorena, voz solista y guitarra, y batería, respectivamente, de The Stuffs, o sea que a buscar un taxi e ir a escuchar a la otra mitad de una de mis bandas favoritas.
Cenar en la terraza, viendo actuar a este dúo que no tiene tope en su versatilidad y en un set list que abarcaba 4 décadas de música fue todo un gozo. Hora y media sin desperdicio.
Bueno, rectifico, el qu esto que escribe será recordado por el amabilísimo camarero de Casa Beltrí como el Peter Sellers del guateque, por mis desperdicios y estropicios, pero eso, si lo cuento, será a pie de esta reseña.
Interpretaron algunas canciones de The Stuffs, como “A Fate With No Name”, “Chains of The Crow King” o “Velvet On Icy Wind” (genial), junto con versiones muy particulares de canciones de Creedence Clearwater Revival, Janis Joplin/Kris Kristofferson, ecos de Violent Femmes, Radiohead, Bob Marley, The Beatles, Bob Dylan, Ray Charles, Cat Stevens, etc.
Engrasado el engranaje a partir del tema 3º, y adaptando con ingenio y frescura el formato de guitarra y voz, y batería, sonó una deliciosa versión de High and Dry the Radiohead y una arrebatadora y desnuda “Creep”. Hermosísimas y diferentes la versiones “yo no me aburro con las octavas y las terceras” de “Redemption Song” de Bob Marley, “I Shall Be Released” de Dylan y “Hit The Road Jack” de Percy Mayfield popularizada por Ray Charles. Lo mismo se puede decir de “Wild World” y “My Back Pages” (inmensas), y de “Zombie” y “Moonlight Shadow”. El último bis, “Everything Is Broken” fue una delicia, con el ritmo alternativo y el delivery vocal.
Cuando ya la actuación estaba en su segundo y último set extra, la luna estaba, sí, arriba debajo, como un gajo de naranja, late night yellow moon, y no pude evitar ponerme a bailar en la terraza, y armar un cierto caos. La música de Lor Carlota y Car Lorena tiene mucho trabajo detrás, pero además algo que en estos tiempos, para mí, no tiene precio, desparpajo, frescura, riesgo, un pellizco de locura en dosis de sonido desnudo, ritmo furioso y voz de múltiples registros, es decir, juego
(Por cierto, volví a verlas actuar en Agosto, en Plaza San Francisco, con el airecico, y se veía entre los edificios, una dazed moon que dejaba su mitad a los sonidos de una banda y a los no-bailarines de cerveza y agua.



VIDEO BAILANDO EVERYTHING IS BROKEN I LOST THE RING

PS: Bailando “Hit The Road Jack” –no lo pude evitar, me arranqué- hacia el final del tema y en un estiramiento de brazo al cielo mi anillo del dedo índice (el de indicar adónde no hay que tirar) salió despedido, rodó por la terraza y se fue hacia los jardines y de allí a la grava. Ina grababa el baile pero con la risa se perdió la grabación. Le conté la historia al camarero, y tan amable él, trajo una linterna y nos pusimos a buscar sin éxito. La cosa no terminó ahí. De postre pedí una gran copa de sorbete de mango, y al aproximarme con la cuchara, le di de lleno a la pajita y se volcó la copa poniendo toda la mesa y parte de mi ropa perdida de mango. (Hacía tiempo que no iba yo vestido de “mango”). Cuando se acercó el camarero y le miré con ojos de “no sé qué ha pasado” se rió y me preguntó si me traía otro (valiente el tío). Le dije que no, y que, además, me iba a pensar dos veces el ir al baño y traer un elefante. Al final fui al baño. No sé por qué, quizá por intentar una nueva grabación, bailé “Everything Is Broken” ante la alarma general. No hubo inundación cuando fui al baño. Llamaron por teléfono al día siguiente. Han encontrado el anillo. Está en buenas manos, Sr. Tolkien.
El 1 de agosto, día de todos los santos desplazamientos, según los medios generales y centrados, nos fuimos por la senda de El Algar camino de Los Urrutias, donde el viento soplaba bien y daba negativo, y la luna seguía descomunal arriba de las farolas y debajo de las ojeras, y una buena gente nos ayudó a encontrar el bar-restaurante La Playa, en el que puedes estirar músculos jugando al ping-pong o disfrutar directamente de una mesa con vistas al mar, que amablemente nos guardó la camarera, y de una comida excelente con ensaladas y otras viandas generosas. No había visto a The Bueno, Laura Bueno y sus músicos, en directo, salvo en una de mis variadas y extrañas aventuras cartageneras en el Café Ficciones hace unos años, cuando me dio por proponer a mi futuro editor un homenaje a Jack Kerouac (no todo es música para reunir músicos) en una delirante sucesión de improvisación por parte mía con Jose Rotundo y Jose Alcáraz, y las canciones de Laura.
Laura Bueno, acompañada del guitarrista de Bantastic Fand Alfonso Gómez y del bajista también de The Bantastic Fand, mostró su original capacidad de comunicar desde el delivery vocal más suave al más alto. La primera parte del set fue de menos a más, era difícil acoplarse al ruido ambiente, ese ruido contaminado tan conocido en nuestras ciudades y pueblos, causado por mesas gigantescas de 10 o 20 comensales cada uno con mucho que contarse, a voz en grito. También a este que escribe le fue algo complicado acoplarse cuando la mesa de detrás tronaba, y delante mío el poste y la planta se balanceaban caprichosamente. Sin embargo la gente fue conectando con el concierto, y el segundo set tras el intermedio fue realmente brillante, con temas que atrapaban al oyente que empezaba a aplaudir con ganas. Un bloque de temas inspiradísimos, con “Our Time”, la gran “Girl Of My Waters”, Crystalline”, “Smile”.
Para escuchar a The Stuffs: THE STUFFS BANDCAMP
Para conocer a Laura y The Bueno: THE BUENO FACEBOOK
The Bantastic Fand, sitio oficial: THE BANTASTIC FAND OFFICIAL WEBSITE

Bien. Cartagena. La Mar de Músicas. ¿Me ficharán algún día? Espero que a The Stuffs y The Bueno sí, por las divinidades Artemisa y Hermes. Después de la exposición de la Mar de Letras, esa gran muestra de 7+7 de artistas y poetas, con montajes excelentes, hasta el final de mi “off Cartagena” estas noches de ‘Ser de Aquí’ (si es que somos de alguna parte), de rock, de baile con mango, de Creep y Sushi Quatro fueron lo mejor.
Y luego escribí:

"Si nuestras fotos salen desafinadas
Si nuestras canciones salen desenfocadas
¿Cómo quieres que nuestro amor se acerque
a las playas secuencia de lo posible?"

Fer Garcin ©

TOM HEDRICK: THE MAN IN THE BROWN SUIT

Tom Hedrick es un músico y autor de canciones, guitarrista, multi-instrumentista y productor, nacido en Maine, criado en Buffalo (NY), donde formó parte de varias bandas, entre ellas, y durante muchos años, The Fitsners, afincado actualmente en Minneapolis. Tengo la suerte de escuchar su obra y disfrutar sus canciones desde hace dos años, después de conocerle en la red de Reverbnation y más tarde en sus propias páginas de artista.



Su música remite al power pop, el rock creativo y la new wave inglesa de los 70', aunque va siempre un poco más allá, y si The Kinks, The Jam, Nick Lowe o Big Star están entre sus influencias, su background es tan inmenso que sus discos te ofrecen una y mil sorpresas, rock progresivo, jazz, pop alternativo, y delicadas viandas repletas de afilado humor y gozo de vida. Su capacidad de disfrazarse sind ejar de ser él mismo es asombrosa, y su vena cómica y de enfant terrible es tan extraordinaria como sus amplios conocimientos de la armonía, el cambio de registro tonal, el dominio de la intensidad y el silencio.

Todos sus trabajos se pueden encontrar en CDBaby y en el enlace de su website que consta al final de este "review".
Entre su discografía extensa y variada, cuya última novedad es el gran "Night Light" (2014), se encuentran "As If" (2002), Red Giant (2009), "2 Laws in One Day" (2011), "Paus For Cheese" (2012) y "The Man In The Brown Suit" (2013) que ahora tengo el placer de reseñar aquí.

"Coffee and Cake" es una pequeña obra maestra repleta de todos los ingredientes musicales de puro arte pop que guarda Hedrick en el tarro de sus esencias. "November" es una de las primeras canciones que escuché de este músico y su trabajo de guitarra y voz es apabullante; al igual que en la sugestiva y maravillosa "Mister B".

Sus armonías y su capacidad de hacer dinámicas sus grabaciones revelan a un artista único en su creatividad y conocimiento del medio. "Pencil" es una obra maestra que posee esa intrigante inspiración que envuelve tu atención hasta dejarte sin habla. Y "Dear Faye" es una joya musical envuelta en arreglos ingeniosos y delicados que te seduce y hace parar el tiempo.

Su séptimo disco, "The Man in The Brown Suit" es ahora uno de mis discos de cabecera gracias a la generosidad y creatividad de este músico admirable, irreverente, hedonista y entusiasta, cuya trayectoria deja asombrado a cualquier curioso que se interese por su inquieta y poderosa historia musical.

"The Man In The Brown Suit is the seventh solo release from Minneapolis-based power popper Tom Hedrick. Known for his joyful and downright toe-tapping guitar rock songs, Tom brings the catchy choruses and driving rhythms to full throttle on this fine record.

Right from the mersey-beat opening of "Shock Of My Life", surprises and delights are to be found everywhere within this 14-song collection. Listen to the gorgeous, moody sweep of "Coffee And Cake" with its delicate horns and strings. Marvel in the avant-pop spectacle of "What Kind Of Man", complete with the backing rhythm of an actual metal stamping machine! Take in the jangling, cascading guitar gems "November" and "Mister B".

There's country-stylings to be found on the pleasing "Snowed In", and a magnificent mash up of piano balladry and 1970's progressive rock on the ambitious "Pencil". Be sure to check out the jazz and blues masterstroke of the album's closer, "Dear Faye", where the guitars and bass duel to the very last bar" (Cd Baby Review).

Puedes consultar y conseguir sus discos en CDBaby y en la página del artista. Read, Listen and Buy his records here:

TOM HEDRICK CDBABY STORE
TOM HEDRICK WEBSITE

TONGUE GROOVE RECORDS WA

(c) Fernando Garcin

All rights Reserved. Music: (C) Tom Hedrick

EXPOSICION A.VV. BARRIO LA AMISTAD 23 ABRIL

Como todos los años, la Asociación de Vecinos del Barrio obrero de La Amistad, en el vestíbulo del Centro Social de La Amistad, y en colaboración con la Biblioteca del Centro, ha inaugurado una Exposición que este año 2015 está dedicada a las dos joyas a conservar y recuperar en Valencia, La Albufera y la Devesa de Valencia y La Huerta Valenciana.
Del mismo modo, y como todos los años, se ha celebrado, dentro de dicha semana cultural, el Día del Libro, con unas mesas en la calle repletas de libros al coste de 1 euro cada uno dedicado a fines benéficos.
Leer nos hace libres, como reza la inscripción de dicha Asociación.

Es de resaltar, tal y como se comentaba en los pasillos de la Asociación de Vecinos de La Amistad, que ha luchado, y sigue luchando, en primera línea por la anulación y revisión del plan del PGOU de Valencia que pretendía destruir y reducir aún más las Huertas tradicionales y emblemáticas de Valencia, que se ha ganado esta batalla, y el PGOU ha quedado suspendido. Ayuntamientos posteriores tendrán que plantear una nueva ordenación urbanística que esperemos respete todo lo reivindicado por el movimiento ciudadano, y atendiendo a las reivindicaciones e informes del mismo, respete todos esos espacios naturales que no se pueden perder, y muy al contrario, cuidar, preservar y mejorar.


La Asociación de Vecinos de La Amistad, Valencia, presidida por Sol Romeu,
y en su nombre, y como colaborador voluntario,
Fernando Garcín

THE STUFFS: "A FATE WITH NO NAME"

THE STUFFS: “A FATE WITH NO NAME”. ROCK DESDE CARTAGENA.

The Stuffs es una jovencísima banda de Cartagena que ha editado su primer CD de 5 canciones bajo el título “A Fate With No Name” producido por Nacho Para en Unproductive Recordings, 2015.

Descubrí a The Stuffs hace unos meses a través de internet, y me impresionó su madurez y su conocimiento y dominio de la música del reciente siglo XX tanto como la cohesión, frescura y precisión de sus canciones. Es una banda en todos los sentidos de la palabra, todos aportan su técnica y habilidad para que el conjunto suene como una máquina perfectamente engrasada y con atrevimiento y profesionalidad.

Su música bebe de tantas fuentes diferentes, desde los años 60’ y 70’ hasta los 90’ y el rock, pop y folk contemporáneo, que no puedo inventarme ahora una etiqueta que los limite. Evidentemente hay rock poderoso, que bebe tanto de clásicos como The Beatles, Neil Young & Crazy Horse, Dylan & The Band como de la nueva ola inglesa, The Raincoats, Elvis Costello, Violent Femmes o The Pretenders y el grunge de Nirvana, Pearl Jam o los heterodoxos Nick Cave, PJ Harvey, Jack White o el rock alternativo anglosajón más reciente. Cantan en inglés, sí. No voy a explicar eso. Como muy bien escribió mi amigo y estudioso Russell Richardson desde Woodstock, a propósito de mi “Tan Fiero Tan Frágil”, en la sangre llevamos no sólo lo que nos influye en nuestras casas y nuestro entorno, sino también lo que mamamos y por lo que nos sentimos atraídos desde que vamos creciendo y absorbiendo gustos. Son letras muy cuidadas, llenas de simbolismo, imágenes impactantes, introspección y compromiso social.

Su directo tiene una frescura y autenticidad que a veces no depende del idioma en que te expreses sino de cómo sientas lo que haces. Y esto es música. Música, la de The Stuffs, que ya es estupenda y que irá ganando en personalidad y progresión con el paso del tiempo.

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Los 5 temas del disco son espléndidos. “Chains Of The Crow King” es una magnífica carta de presentación, rock-folk poderoso con toques grunge y a torch song a lo The Band, armonías y cambios muy atractivos, y un sonido excelente. “Velvet On Icy Wind” te transporta a sonidos contemporáneos de eso que viene en llamarse folk o rock alternativo, con preciosas guitarras acústicas, y una interpretación muy sentida musical y vocal. “Spiny Box” es uno de los temas más juguetones, como una noche de cabaret y blues entre Janis Joplin y Jim James y White Stripes. “Just Run (Don’t Look Black)” es uno de mis temas favoritos. Ahí están Television, y sobre todo Patti Smith, y esos acordes españoles que llevan luego el tema hacia una dimensión de mezcla de sonoridades que lo hace un tema The Stuffs, maravilloso delivery vocal, una sección rítmica excelente, de batería y bajo, una guitarra eléctrica repleta de matices y unos arreglos muy acertados. “A Fate With No Name” es el tema que cierra el disco, The Stuffs navegan desde los 90’ hasta 2015 con todo su bagaje y personalidad. Es increíble que tengan la edad que tienen. Todos los instrumentos y todos los músicos, y así la voz, suenan en su lugar, y conforman una gran canción de una gran banda.

A FATE WITH NO NAME

Carlota A. Rosique es la voz y la guitarra, una voz muy especial, con un rango y un registro insólitos, entre Janis Joplin y Chrissie Hynde. Alejandro Vizcaíno toca las guitarras acústica y eléctrica, el ukelele, la mandolina y lo que le echen, a veces creo que sabe más de Larry Campbell o Charlie McCoy que yo mismo, o que ellos mismos. Víctor Martínez toca el bajo y también la guitarra, es sobrio, creativo y contundente, lleva el ritmo en las venas. Lorena Cortés toca batería y percusión, y lo hace con una destreza que asombra, y no tiene límites. Se puede decir que, a partes iguales, la inteligencia y la pasión que tienen les conduce a donde ni ellos todavía saben, y será lejos.

Cuando los conocí, escuché sus directos donde igual hacían versiones de The Beatles, de Janis Joplin, The Clash, Simple Minds o Patti Smith. Su directo es una bomba. Ajustados, compenetrados y divirtiéndose. Están creciendo, y adivino que con el tiempo irán encontrando nuevas sonoridades, un lenguaje aún más propio, y deseo que, incluso al grabar, cuando a veces la producción digital tiende a domesticar la energía y "estandarizar" la creatividad, mantengan y desarrollen esa frescura irreverente y enérgica que los hace un rara avis en esta España que aún está superando ese lado del indi más tedioso y el mainstream más soporífero y repetitivo.

Allí donde toquen, no os los perdáis. Hablad con vuestra abuela, con vuestra madre, o con vuestros hijos, o con vuestro agente de la condicional y acudid sin prejuicios y dispuestos a disfrutar.


Mientras, tenéis este su primer disco. Una pequeña joya para empezar.

THE STUFFS EN FACEBOOK

(c) Fernando Garcín De las canciones (c) The Stuffs

TREN FANTASMA. LA GRAN ESPERANZA BLANCA.

"Alza tu copa junto a mí / por las noches de amor furtivo" (Cisco Fran)

Como cantante y compositor/escritor de canciones en tierras lejanas y contador de historias en la más cercana, mi contribución en forma de reseña musical al último disco "Tren Fantasma" de La Gran Esperanza Blanca se consideraría en tal tierra cercana un aporte osado de alguien que no tiene puñetera idea de música (así será), mientras habrán otros que lucirán el lustre de sus adjetivos musicales con mejor fortuna lectora, y para las tierras lejanas ya haré mis consideraciones en idioma anglosajón (por ejemplo).

Quiero decir que Cisco Fran es un gran letrista y tiene un delivery vocal tan único y particular que otros matarían por tener. Su fraseo es tan intencionado y nítido como sus palabras. Cuando compone adivino que sabe lo que va a decir aunque no siempre sepa lo que va a sonar. Podría hablar de sus acordes abiertos, del momento sutil en que encaja los menores con su voz más profunda, o de esa estructura tan querida por él en que los arreglos han de fluir dentro de un esquema que sus músicos entienden a la perfección.

Pero no.
Voy a escribir unas notas, una pequeña retahíla de notas a propósito de Tren Fantasma, como hice con su anterior disco "Derrota".

1) Desprecintas el disco, abres el cuaderno, y huele muy bien. Olor nuevo a regalo de los de antes. Imprenta y tinta y calamar. Un olor que cala.

2) Es una experiencia extraordinaria poder leer tan bien las letras, con calma y orden.

3) "Cantad Conmigo" es una preciosa canción, bien grabada. Me gusta que dure. Que dé vueltas a lo vinilo.

4) Hay temas que son La Gran Esperanza Blanca y punto. Y seguido. Máquina engrasada, los chicos de LGEB a todo tren. "Azucar y Miel", "Aquí Estoy (En Vía Muerta)".

5) "Mar del Coral" quema y acaricia. Es una canción para bailar en la cama. Las guitarras abrasan. Estupenda.

6) "Días de Felicidad": la conexión es inmediata. Siento que estoy ahí. Lo que hacía con mi padre, lo que soñaba y por eso era cierto, lo que nunca se va.

7) "Cantad conmigo" es una bella canción coral. Hay que celebrar que se está vivo, y siempre hacia adelante.

8) "Payaso" es el jokerman muy vivo desgranando su fraseo de forma colosal. Canto rodado.

9) "Estrella de Mar" es una joya. El sonido, la trama eléctrica, el arrojo vocal, obra maestra.

10) No voy a contarlas todas. Los secretos y los misterios forman parte del disco. Lo mejor es adentrarse en él y descubrirlos. Huele muy bien, a calamar, a tinta, a imprenta, a obsequio descubierto en el desván de la casa del último maldito soñador de Coney Island.

(c) Fernando Garcín. Todos los derechos están izquierdos. All rights are left.

CARA A CARA. JORDI MARQUINA Y FERNANDO GARCÍN SE ENTREVISTAN (Asalto 2)

FERNANDO GARCIN ENTREVISTADO POR JORDI MARQUINA SOBRE “LOS PIES EN EL CIELO”.

Después de hablar con el actor Jordi Marquina sobre su obra “El Vanguardista Alemán” y como presentador de mi último libro en Valencia, tuvimos la idea de hacernos sendas entrevistas sobre nuestras obras. Jordi Marquina me lanza, pues, en segunda entrega de nuestro “cara a cara”, esta su entrevista sobre mi libro “Los Pies en el Cielo” EDITORIAL BALDUQUE, "LOS PIES EN EL CIELO", (Cartagena, 2014).

FERNANDO GARCÍN, ESCRITOR Y CANTANTE

FG: Un segundo. Voy a pedir que le quiten el hielo al granizado...

J.M. ¿Lo mejor de escribir con mirada cinematográfica es que nadie puede gritarte CORTEN?

F.G. La vida está llena de cortes. Te cortan cuando estás diciendo algo que sientes. Cortan contigo. Te dan cortes. Hay cortes de helado que te dejan perdido. Se corta la mayonesa y adiós estómago. Me encanta escribir con esa mirada cinematográfica porque no sé escribir de forma lineal. Escribo y luego lo monto o lo desmonto. El lenguaje del cine, sobre todo del cine que me gusta, es maravilloso porque cabe todo en él, el silencio, las palabras, la música, la imagen, y hasta un productor psicópata.

J.M. Hacía donde va esta novela puede ser sencillo decirlo- o no-según lo va descubriendo el lector pero... ¿De dónde viene?

F.G. Intentaré ser serio para responder esto. No sé de dónde viene. Veo las lucecitas de un avión en el cielo de la noche y me pregunto ¿de dónde vendrá? Masha Mendes es un personaje que encontré en el guión de un olvidado director alemán, Alexander Kluge. En ese guión Masha Mendes es una exploradora espacial. No utilicé nada de ese guión (la película no lo ha visto porque sólo sé de una película de Kluge estrenada en España). Me quedé con el carácter tan fuerte y decidido, al mismo tiempo que la fragilidad del personaje y pensé una historia nueva. Me gusta el cine de los años 60’ y 70’, esa narrativa arriesgada y supuestamente no comercial. Cine alemán, francés, Peter Handke, Godard, Wenders, Kaurismaki, Penn, Altman, Melville, Joseph Roth, Berger... Los personajes surgen de la nada y van hacia ninguna parte, en muchas ocasiones. La razón de lo que hacen está en sus propios movimientos, en sus gestos y palabras. Nada está masticado. No empiezan por el principio ni terminan en el final. Lo que Hollywood ha dejado de entender es que no hay finales felices o desgraciados. Sencillamente no hay finales, todo lo que merece la pena sucede antes y después del “the end”.

J.M. ¿Después de ser un cantante desnudo es fácil encontrar la voz de un narrador desnudo?

F.G. Me constipo demasiado a menudo y no gano para pañuelos. En realidad no gano, punto. A veces la voz se va por ahí, sale y no deja una nota, una maldita nota, sus señas nuevas. Es una puñetera la voz. Si te desnudas contando algo al menos puedes hacerlo donde da el sol en la casa y rascarte las pelotillas al mismo tiempo. Y ser mudo sin que nadie te oiga. Lo del cantante mudo viene de Buster Keaton, mi cantante favorito junto con Harpo Marx, y un poco de Chet Baker. También de una vez que una chica me cortó la garganta en plan hardcore pero eso es otra historia. La música es también fundamental cuando escribo. Hay referencias musicales en el libro como Jacques Brel o T. Rex o John Cale, pero está también la que escucho cuando escribo, igual sea Pau Riba que Kevin Ayers, igual sea Thelonious Monk que Satie. En cuanto a esa voz, yo diría que esa voz es una voz cabaretera, de music-hall, de policías y ladrones, de mujeres fatales y hombres amnésicos, de misiones absurdas en mundos lógicos. Es la manzana antes de que le presentaran a Guillermo Tell.

J.M. A la pobre Masha le cambias la nave espacial por una habitación de hospital ¿Es que te ponen enfermo las estrellas?

Todo lo que me pone enfermo me pone. Me encanta el cielo porque es la tierra con las estrellas mejor colocadas. Masha… Masha es una mujer fuerte, llena de arrojo, es capaz de manejar una nave, un circo, una compañía de teatro, una manada de elefantes, y escapar del gris como de la peste. Cuando habla, hablan los siglos pasados, habla el lado femenino de la realidad, y el absurdo. Cuando enferma y termina en un hospital, sigue hablando en su delirio. Habla y escucha a su compañero chiflado. Como diciendo, para estar locos vamos a ponernos un poquito de acuerdo. Es esa chica sin la que no podemos vivir, aunque nunca se dejará controlar. Tiene los pies en el cielo porque recuerda a los surrealistas y se olvida de los manipuladores. Decía Walter Benjamin que los surrealistas entendieron como nadie el mensaje marxista. O lo llevaron allí donde nadie lo había llevado. Destrucción o dislocación del mundo para poner las cosas fuera de sitio, y hacer que la imagen sea carne, cuerpo, mímica, delirio. Masha es un cielo, y sus pies también. Es la estrella misma.

J.M. Esta me interesa especialmente ¿Son todas las relaciones imposibles posibles?

F.G. Adoro esta pregunta. No me gustaría estropearla respondiendo con deliberación. En realidad las únicas relaciones interesantes son imposibles, es tan sexy que lo sean que aunque no tengan futuro están presentes en cada tetilla y cada bigotillo aventureros. Vamos, si quieres, nos partimos de risa y nos repartimos las legañas.

J.M. ¿Tus pies son más de tocar suelo o cielo? Esta pregunta ha ganado un premio de originalidad en un certamen de Valdelinares.

F.G. Premio merecido. Mis pies son de tocar cielo cuando hablo contigo o con Marion Cotillard. También son de tocar suelo cuando callo. Un callista, ¡por favor! Bueno... En todo caso soy de tocar. Esa señora que nos está mirando creo que también.

(Este segundo asalto que fue la entrevista del autor de El Vanguardista Alemán al autor de El Cantante Mudo, se fraguó en la susodicha horchatería durante un largo descanso de dos peñazos de entrevistas que nos hicieron las revistas Life y Rolling Stone.)

(c) Todos los derechos están izquierdos. All Rights are Left.

CARA A CARA: FERNANDO GARCÍN y JORDI MARQUINA SE ENTREVISTAN (Asalto 1)

JORDI MARQUINA Y EL VANGUARDISTA ALEMÁN

He tenido la fortuna de asistir a la representación de la obra de Jordi Marquina, “El Manual del Perfecto Vanguardista”, ese “tour de force” del actor solo en el escenario durante una hora larga atrapándonos con su humor afilado, su irreverencia y sus dotes cómicas y dramáticas. Con el tiempo esta obra se está convirtiendo en un clásico de la escena de teatro itinerante en Valencia, por su ingenio, su interpretación y su capacidad de recreación. Así lo describe el propio autor: “¿Quién es el Vanguardista Alemán? Un enigma envuelto en un tutú. Un loco mesiánico con el proyecto claro de acercar la Vanguardia a las bodas, bautizos y comuniones. Un profesor magistral que nos demostrará que el futuro del Arte vuelve a estar, una vez más, en las manos de un idiota.” (Idea y dramaturgia: Jordi Marquina. Actor: Jordi Marquina. Dirección: Eva García.)

JORDI MARQUINA. ACTOR.

Se me ha ocurrido, después de hablar con el actor sobre su obra, el teatro, la vanguardia, mi último libro, sus proyectos artísticos, los poemas pomos y las puertas que se abren al revés, hacernos sendas entrevistas en un “cara a cara” particular. Esta primera entrega es mi pequeño cuestionario dirigido al Vanguardista Alemán:

J.M. Hola, soy Jordi, el Vanguardista Alemán ahora mismo no puede ponerse, por eso voy a contestar sus preguntas después de la señal. Biiiiiiiip.

F.G. ¿Por qué un Vanguardista alemán?

J.M. Pues imagino que porque es un arquetipo que suena extraño y reconocible al mismo tiempo, piensas en un Vanguardista alemán y ya te viene a la mente un señor raro que se toma a sí mismo muy en serio, y eso puede ser una buena base para la guasa. Como fue un personaje que se hizo con muchas casualidades y trocitos de otras cosas, te diré que al principio el Vanguardista Alemán podría haber sido un Concursante Japonés de programas tipo “Humor amarillo”.

F.G. ¿Eres consciente de que el público sólo se pone a la vanguardia cuando ofrecen bocadillos y bebida?

J.M. Y se pone a la retaguardia a la hora de pagar, pero si consigues una buena conexión con ellos, o una ametralladora cargada, al final acaban pagando muy contentos.

F.G. Parece que parte de la historia del siglo XX se está olvidando en un mundo de modas a seguir. ¿Cuáles son tus referentes nacionales e internacionales?

J.M. Esta pregunta me encanta y al mismo tiempo me da miedo, es como hacer el amor con alguien profundamente atractivo. Digo esto porque tengo muchas referencias e ídolos y un día puedo decir Andy Kaufman y Bill Hicks y al otro José Luis López Vázquez y Gracita Morales, y no mentir en ninguno de los dos casos. Voy a intentar decir varios sin ser muy injusto.

Peter Sellers y Walter Matthau son mis dos actores cómicos preferidos. Peter porque sus caracterizaciones son a la vez caricaturescas y profundamente humanas, te lo crees aunque esté haciendo un hindú de dibujos animados, y Walter, porque, simplemente, es como una máquina cómica perfecta, todo él es gracioso, la forma de hablar, de moverse, es divertidísima. Además, toma el riesgo de hacer personajes cómicos que, en principio, ni siquiera te deberían caer bien, y eso es genial. Si coges esas dos cosas, así son los personajes que me gusta hacer.

El humor de Miguel Mihura y de Jardiel también lo tengo muy presente. Las memorias de Mihura es uno de los libros más divertidos que he leído nunca. Ramón Gómez de la Serna inspira un poco el final del Vanguardista, aunque Ramón debería ser una influencia en la vida tanto como en la obra. Todos deberíamos ir vestidos de torero a leer cosas a un circo. Creo que es la manera más lógica de vivir. Groucho Marx fue mi HÉROE durante una etapa de mi vida, no sólo porque sea ingenioso (que lo es, claro) sino porque es gracioso hasta cuando escucha a los demás, con esos gestos pornográficos que hacía.

Como a los extraterrestres de la película “Stardust Memories”, también me gustan mucho las primeras películas de Woody Allen, era genial cuando mezclaba todo lo que le gustaba y hacía cosas personales muy divertidas.

También quiero mencionar a muchos de los actores del Saturday Night Live. Chris Farley y John Belushi eran maravillosos incluso cuando no se drogaban. De ese programa cada vez me gustan más las chicas, me fijo en ellas, había un cómico de los años 20 y 30, Charlie Chase, que decía que puedes copiar a quien quieras siempre que no se te parezca físicamente, para que no se note. No creo que nadie que me vea me confunda nunca con Gilda Radner o Kristen Wiig.

Y muchísimos más. La lista es casi infinita, de verdad.

F.G. El surrealismo está muy presente en tu obra. ¿Cuesta mucho llevar un tutú cuando manejas un yoyó?

J.M. Llevo ese tutú desde una obra que hice en el instituto que se llamaba “Habitación Ocupada”, me lo hizo mi madre, y me ha acompañado como un amigo fiel. Al principio de hacer el Vanguardista se me caía en escena en los momentos más inadecuados, y creaba muchos momentos mágicos.

Me gustaría que el yoyó se convirtiera en un “nosotros-nosotros”. Aunque eso cada vez me preocupa menos. El absurdo y el surrealismo es sólo una manera de ver las cosas, no sé si más honesta que otras, pero el humor lo lleva un poco implícito, creo.

F.G. El riesgo es uno de los ingredientes de tu actuación. ¿Lo perfecto es idiota?

J.M. No lo sé, pero un clown te dirá siempre que lo idiota es perfecto. En realidad, lo perfecto, de ser algo, es inhumano, y, por eso tiene muy poquita gracia.

Me gusta el riesgo en escena, de las equivocaciones y los errores salen las cosas más brillantes, siempre. Es una buena filosofía no sólo para el trabajo, ahora que me fijo, me la apunto, no sea que se me olvide.

F.G. Hacia el final de la obra hay un manifiesto magistral. ¿Qué papel higiénico usas para escribir algo tan genial?

J.M. Gracias por estas cosas tan bonitas que me dices. La verdad es que para mis espectáculos escribo muy poco, me hago esquemas, apuntes, o cosas así, abuso mucho de saber que tengo buena memoria, cierta capacidad de improvisación y una buenísima directora, Eva García, que me conoce y me entiende casi tanto como me conduce. De hecho, ya que estamos puestos a contar intimidades, las primeras veces que decía ese decálogo me quedaba en blanco y algunos de los puntos son creaciones de última hora en medio de la actuación. El papel higiénico que me gusta más es uno que trate a mi pompis como a un faraón egipcio.

F.G. Ahora dime lo que quieras.

J.M. Me ha gustado mucho el interrogatorio, aunque tus piernas tan perfectamente torneadas y ese vestido ajustado que llevabas rompía mi concentración a cada momento. Te daría un beso, pero, a lo mejor, ya tienes muchos.

(Esta entrevista, en su primer asalto, se fraguó en un encuentro entre el autor de El Cantante Mudo y el autor de El Vanguardista Alemán, en una horchatería, durante el descanso prolongado de dos peñazos de entrevistas que nos hicieron las revistas Rolling Stone y Life).

(c) Todos los derechos están izquierdos. All Righst are Left.

JULIO BUSTAMANTE

Ha aparecido el último disco de Julio Bustamante, "En el Nombre del Gato", otro gran trabajo del maestro de la canción mediterránea autor de discos imprescindibles como "Cambrers", "Ciutat Magnètica", "Sinfonía de las Horas", "Entusiastas", "Lluvia Cascabel" entre otros.

EN EL NOMBRE DEL GATO. COMBOI RECORDS

Me congratulo del buen recibimiento por parte de los medios de sus trabajos, y especialmente, del reconocimiento por parte de músicos más jóvenes de su obra en los últimos tiempos. Colaboraciones, conciertos homenaje, recopilatorios, trabajos en video y documentales. La colaboración de Julio y todos esos músicos más jóvenes es un ejemplo a seguir.

No sé por qué demonios en este país somos tan reacios a cruzar la barrera de la edad y que los jóvenes se acerquen e interactúen con los mayores, y viceversa. No sucede apenas porque creo que en ocasiones el supuesto carácter abierto mediterráneo (o latino) es uno de tantos tópicos a cuestionar, y en ciudades como Valencia llevan a círculos cerrados y endogamias absurdas que parten en ocasiones de la ignorancia del pasado (y el presente) y de la tendencia pseudo-indie y pseudo-moderna a buscar la mascletá instantánea y la paella de un día antes que a arriesgar en lo desconocido. Constato por propia experiencia que esa interacción entre generaciones y estilos musicales sí que sucede en otros países, y percibo que últimamente también en gente muy joven nacida a partir de 1990.

He leido los comentarios y críticas sobre el último trabajo de Julio Bustamante, y siendo todas las reseñas de gran valor y muy apreciables, echo de menos -o de más- ese recurso al lamento porque no se conozca suficiente los logros de nuestros grandes artistas locales.

Por eso he escrito este "Corolario" en una red social a propósito de este su último disco y a ese lugar común:

Corolario: La Fortuna sí que sonríe a Julio Bustamante, pues él la maneja siempre con su talento. Otra cosa es la suerte que tenga su ciudad, su pais o su época de estar a la altura de su genio. La altura de Julio Bustamante reside en estar en su lugar incluso fuera de temporada. Sus canciones nacen de la piel más profunda, incluso en la era más superficial. Su momento es siempre. "No hay éxito como el fracaso, pero el fracaso tampoco es un éxito". Cuando le escuché cantar a palo seco "Supervivients" o "Pobles al Costat del Riu" como en su día "Canción de Amor" o "Canción del Aeropuerto" supe, no sabiéndolo, que el tiempo se detenía. Algo así sucedió en Deiá en los incomparables años 70' cuando allí confluyeron músicos de Soft Machine, Pink Floyd, y tantos otros, cuando la música hizo magia. Julio Bustamante viene de allí y sigue adelante. Esa es la auténtica suerte.

(c) Fernando Garcín

QUEBRADERO. Una Balada Grunge. Libro de Jesús Maestro

QUEBRADERO (Una Balada Grunge)
Un libro de Jesús Maestro, publicado por Onada Edicions.
Jesús Maestro Web
ONADA EDICIONS PEDIDOS

El último libro de Jesús Maestro, después del sorprendente y atrevido “Vozebuth” y del profundo “Volveremos”, es un libro en que se entrecruzan el relato negro de intriga, la música, la fotografía, el cine y la narración inclasificable que hace que su obra marque diferencia y se convierta en única y diferente en su estilo.

Lo primero que llama la atención de “Quebradero” es su propia edición. El diseño y la presentación son tan atractivos como insólitos, y hacen que tardes-con gusto, cual preliminares amorosos- un poco en sumergirte en el libro.

Jesús Maestro ha publicado un libro cuya forma es la de un disco de vinilo, con sus surcos (no páginas), su cara A y su cara B, sus referencias musicales, y su trabajo fotográfico tan acertado que hace que cada imagen (cada fotografía de ambientes anglosajones de Jesús Maestro) forme parte de la historia como pocos libros pueden presumir de tal.

Por un lado está la historia lineal (que no lo es), la investigación de la muerte de una “vieja/joven” gloria del Grunge musical. Se van definiendo los personajes, desde el impagable investigador Flavio Boidman, y su colaborador, el desastroso y genial Calógero, hasta la serie de sospechosos, las mujeres fuertes y en ocasiones a la deriva, dos jóvenes hermanas que amaron al músico fallecido, un crítico musical brutalmente descrito, un manager de dudoso origen, su viuda, un carácter excepcional genialmente trazado, y otros caracteres secundarios.

Por otro lado está la música, las letras de canciones atribuidas al músico fallecido (gran trabajo poético de Maestro), las continuas referencias musicales absolutamente imprescindibles y sugerentes, sea el Neil Young de Rust Never Sleeps que encabeza el libro, hasta Love, Beach Boys, The Beatles, Zappa, Faith No More, Red Hot Chili Peppers o Chuck Berry. El amante de la buena música de finales de los 60’ y de los años 70’ disfrutará realmente descubriendo los guiños a la música, sus luces y sus sombras. Y como la música, está la propia poesía, la literatura, la fotografía, el cine que nunca caduca.

El estilo de Maestro es afilado y simbolista, existencial y duro, poético cuando ha de serlo. Y fragmentario, como el documentalista que juega con lo filmado y con el tiempo, para montar su historia al ritmo de su visión artística.

“No sabemos por qué deshacemos, despistados, aquello que tenemos entre manos, ni por qué anhelamos recomponerlo segundos después (…) Olvidé mi piel en la última mudanza”. “Antes de abandonar la añoranza sin saberlo, Flavio se hizo la misma pregunta que Níobe: ¿reconoceríamos nuestro propio pasado si volviéramos a él?”.

Hay cierta literatura que está escrita para detenerse, aunque se lea muy bien en trayectos de tren, avión o autobús Se trata de un relato nuevo, de una narración reflexiva incluso en la mínima descripción. Entras y sales, te deslizas por los surcos como lector aguja y sigues leyendo cuando el momento inesperado te lleva hacia adelante o hacia atrás.

Con la música y la imagen en las venas, Jesús Maestro relata una historia que tiene las horas contadas, y puede ser recontada mil veces, regresar a su escena del crimen y retomar la historia por cualquiera de sus surcos.

© Fernando Garcín
Todos los derechos están del revés / All rights are left
www.fernandogarcin.com

ENFERMEDADES RARAS por Cisco Fran

Cisco Fran publica un nuevo libro de relatos, que sigue la línea trazada por su anterior y excelente libro "Barbería", que tuve el placer de reseñar y compartir con el autor.



El autor continúa desarrollando su estilo realista (el en ocasiones mal llamado realismo sucio) aportando sus propios ingredientes cotidianos y fantásticos que se conectan entre sí como un astronauta en tierra y su nave perdida en el espacio a la manera del gran Bruce Dern en la olvidada "Silent Running" (Naves misteriosas) y muchos años después en en reciente e inmenso papel en "Nebraska". Hay personajes obsesionados por sus vidas rutinarias, vampiros y mujeres fuertes, viciosos y enfermos, aspirantes a suicidas y enamorados sin remedio posible.

La forma en que resuelve, desde su canción del mismo título, el relato "Lento", que abre el libro es magistral. Esa vida a cámara lenta en contraposición con la velocidad absurda del mundo que nos rodea, salpicado por un diálogo impagable y una resolución que sin serlo nos deja con la vianda en su punto de cocción.

Hay relatos tristes que nos conmueven en su enferma lucidez, como "Amor Abandonado"; otros impetuosos como "Mujer Volcán" y otros aparentemente ausentes de acción como "Hot Dog" que sugieren más de lo que muestran.

"Series de Sueños" es otro relato redondo y atinado en su forma de tratar el detalle de la frontera entre el sueño y la realidad, entre la vida y la muerte, el amor y su ausencia.

Hay otros relatos deliciosos en su afilada ironía que no deja atrás la ternura como el espléndido "Los Bollitos de Mr. Leadbeater". Una joya.

Y hay relatos que convocan a la mejor tradición del relato de misterio, "Nieve", o de terror fantástico y al tiempo real (Poe) como es "Vampiro".

Cisco Fran continúa su labor como contador de historias. Ha dejado en parte en este libro su querida New York, aunque siguen habiendo muchas referencias al mundo neoyorquino y estadounidense, y sus historias se enfocan ahora en esas enfermedades raras que son la locura que podría no serlo según en qué mundo, el amor y la soledad, el tiempo que pasa en forma de rutina, la ruptura con la realidad a base de ahondar en ella.

Muy recomendable hacerse con un ejemplar de "Enfermedades Raras", como lo es completar la colección con el rescate de "Barbería".

ENFERMEDADES RARAS VIDEO PROMOCIONAL

(c) Fernando Garcín

CARTA DE ENERO (30 años de literatura y música)

He recibido un comentario, una de las muchísimas reseñas elogiosas que recibo en idioma anglosajón en estos últimos tiempos por mi trabajo de todos estos años. Y no puedo sino sentirme agradecido y emocionado una vez más y, al mismo tiempo, sentir que la vida sigue y el trabajo y la perseverancia.

Como tantas otras veces que me escriben desde otro país, me muestran su admiración y se alegran de mi éxito en mi tierra, y yo no les voy a llevar la contraria. Mi tierra es ingrata, cierto, pero lo ha sido siempre, desde los tiempos de Blasco, desde los tiempos de Gaos y Zambrano, y hay que asumirlo como se asume el éxito de la paella, las fallas y la playa en verano.

Me hablan de mi voz, de mi capacidad de comunicar, de mi escritura, y pienso que siempre he ido hacia el lugar que he querido, el difícil a menudo, sin importarme lo que pensaran otros. Es curioso que desde fuera de mi tierra, haya quienes hayan reconocido, por ejemplo, al mejor Handke en “Con los Pies en el Cielo” aunque no siendo su idioma requieran del diccionario para una mejor lectura, o que, con una edad jovencísima, una artista alemana haya sido la primera en preguntarme por el dibujo que de mí hizo mi tío abuelo Andreu Alfaro. En su estudio de Rocafort el gran escultor y dibujante me dibujó con la técnica de un solo trazo que usaba Picasso, y esta persona se ha percatado y ha querido saber más de Alfaro.

Soy una persona tímida y reservada, el cariño y la ternura me la reservo para las distancias cortas y la intimidad de las personas que quiero. También la salud me ha dado sus golpes, así como la precariedad económica. Y con todo ello, disfruto como nunca, y como siempre, de lo que hago, esté en las condiciones en las que esté. Por encima de todo, no soy una persona que vaya con la lengua fuera para lamer zapatos, ni con la sonrisa fácil para encantar serpientes. Simplemente no sé hacerlo, ni aprendí, a pesar del entorno mediterráneo y latino. Mi otro yo debe proceder de algún lugar de Copenhague u Oslo.

Mi padre solía decir que la dignidad se muestra dentro de la propia habitación, entre los tuyos o contigo solo. Soy leal con los amigos, me encanta celebrar el haber disfrutado de tanta buena compañía, de tanta gente que sin interés ha viajado conmigo en mis aventuras creativas, literarias y musicales. A quien me ignora le ignoro, a quien me parece lejano le dejo lejos. Y sin embargo, de lejos llegan esos escritos, reseñas, comentarios en idioma extranjero que tanta energía me dan. No somos nadie. Pero este año ha habido gente importante, Derek Damico, Marisol Moyá, Escarlata Ortiz, los músicos de Panta Rei, Xarli Sanjuán, Russell Richardson, Dorota Czerner, Robin Richardson, José Moyá, Mike Baluja, muchos músicos de la red de Reverbnation que ahora son amigos especiales, y tantos otros con los que he disfrutado de la creación y el riesgo, la palabra, la música y la voz.

Sí. Procedo de una familia de cierto nivel cultural. La calle que conecta la Plaza del Cedro con Mas y Ros, donde está el café Tendur, se llama calle Historiadora Sylvia Romeu, por mi tía, autora de la historia de Les Corts Valençianes; mi otra tía es autora de Silencio Roto, entro otros libros pioneros de la labor de la mujer en la guerra civil y la postguerra. El hermano de mi abuela fue alcalde interino de Valencia en la República. Pero que nadie busque en mí a un izquierdoso autóctono, ni el gen nacionalista, no lo encontrarán. Yo soy de todas partes, de cualquier parte donde me sienta en casa. Mi parte de la familia, empero, la de mis padres, es de clase trabajadora, mi padre crió a sus hermanas teniendo que dejar los estudios cuando les abandonó su padre, y mi madre trabajó con mi padre hasta que este falleció, con muchas dificultades. Lo cuento en mi canción "Me dieron un Cuaderno y un Lápiz". Nos criaron fuertes y nada ostentosos. Me siento bien en mis barrios periféricos y humildes. Mi madre ha estado al frente de las asociaciones de vecinos desde 1978 y aún sigue en la brega, y aunque ha recibido sus distinciones, nunca dice nada. Debería de aprender de ella.

No es la primera vez que algunas personas de mi entorno se han sorprendido por el ninguneo de los medios locales, por ejemplo con mi último libro aparecido en Octubre pasado, o con mi último disco "Amor Sin Título", pero quizá recientemente he percibido en ellos cierta indignación cuando han leído "en los medios" que en la Fundación Bancaixa de Valencia hay una mesa redonda sobre "Literatura y Música Pop" y me han preguntado "¿Y tú?". Les he dicho; "No pasa nada. Yo a lo mío, que mucho tengo por hacer".

Lo que sí percibo, cada vez más, y me congratulo por ello, siendo así que habito en esta ciudad y en este país de dejadez, falsa modernidad, desconocimiento de lo autóctono, y una cierta endogamia que creo no nos ayuda a ninguno y nos da mala imagen cara al exterior, lo que sí percibo, digo, son señales que me dan esperanza, savia nueva que lucha por salir de la Gran Amnesia en que nos han metido los media, el falso indie, y el consumo fácil. Son gente muy joven, particularmente nacida después de 1990, con una inquietud y una curiosidad por conocer lo que no viene masticado, que me alegra y me hace ilusionarme. Pueden andar despistados, tanteando en la oscuridad, pero brillan con luz propia y tienen hambre (¿no hay ahí gente joven hambrienta y enamorada? me preguntaba un amigo inglés cuando le decía que no encontraba músicos que entendieran mi necesidad de experimentar). Son chicos y chicas con ingenio, talento y conscientes de que hay que esforzarse porque ya no viene todo dado como con la generación o generaciones de los tiempos del dinero y la fiesta.

Lo que más me gusta es que puedo compartir con ellos la necesidad de tratar de derrapar en la curva, de no ser perfectos, de arriesgar y experimentar, de ir hacia lo desconocido con el bagaje de las grandes vanguardias del siglo XX, y eso es fantástico. Deseo que no se estropeen, o no los estropee la mediocridad del entorno que habitamos. O en todo caso, que salgan fuera sin miedo, que si pueden viajen sin mirar atrás y prueben y experimenten en otros lugares si aquí no hay manera.

Me he dado cuenta de que en 2015 cumplo 30 años de mi primer libro en solitario, al que han seguido otros 14 libros oficiales más la publicación de obra en el Open Space Magazine de NY y la presentación de la Segunda Lluvia (musica y poesía) en el City Hall de Woodstock. Asímismo, celebro también otros 25 años de trayectoria con las canciones, la literatura, la voz y la música desde mi debut con Miquel Gil y Terminal Sur y mi actuación con Breve Idilio en 1990 presentando nuestro disco "Pasión por Pasión" hasta mi último trabajo, el 6º disco en solitario "Amor sin Título" y las canciones con los estadounidenses Maloa Warriors. Y me resulta muy estimulante que quizá pueda compartir los 30 años de carrera con alguno de ellos, y con la gente maravillosa que comparte conmigo mi aventura. Sí. Compartir alguna que otra derrapada, algún que otro momento de fogonazo bestial. Eso estaría bien.

Fernando Garcín en Cavallers de Neu presentando libro y actuando con Breve Idilio, 1990.

© Fernando Garcín